RADI@zioni / The Next Generation di Camillo Fasulo

THE QUILL: GRANDE STONER HARD ROCK SVEDESE!!!

2012-01-27T12:33:00.000+01:00

THE QUILL “Full Circle” (Metalville, 2011) - www.thequill.se

Tracklist:
1. Sleeping With Your Enemy (video)
2. Full Circle (video)
3. Black Star (video)
4. Medicine
5. Bring It On
6. River Of A Moonchild (video)
7. 24/7 Groove (video)
8. WhiteFlag
9. Pace That Kills
10. No Easy Way Out
11. Running
12. More Alive Than You
13. Waiting For The Sun

Spesso nel rocknon c’è giustizia… altrimenti The Quill sarebbero delle superstar! In giro findagli anni ’90 questo quartetto svedese, con il sesto full length album,dimostra ancora una volta di esserci. Il precedente “In Triumph” li avevaproposti come puri epigoni di bands quali Led Zeppelin, Black Sabbath eSoundgarden: il nuovo “Full Circle” non esce di un millimetro da quel perimetro.Nessuna concessione modernista, nessuna rielaborazione del rock di oltre 30 o40 anni fa, solo la fedele riproposizione del sound vintage delle sopracitateband. Nonostante questo, The Quill riescono a vincere e a convincere, grazie ancheal notevole groove e alla squisita purezza vocale di Magz Arnar, che non faassolutamente rimpiangere il precedente vocalist Magnus Ekvall e che, come lui,ricorda a tratti anche quella del grande Chris Cornell (ex Soundgarden, ed exAudioslave). Un buon prodotto insomma, da ascoltare tutto d’un fiato, idealeper una serata spensierata o per un lungo viaggio in auto. Rimane la sicurezzadi poter contare su di un gruppo onesto, che produce album di genere, ma lo facon grande maestria. (www.outune.net/dischi/medium/hard-rock-the-quill-a-wolfmother-70ies-return/4456)

Sembravafosse arrivata alla fine l'avventura dei nostri quando nel 2007, dopol’allontanamento dello storico cantante Magnus Ekwall, subirono una pesantebattuta d’arresto. Ma nel 2010 dalle fredde terre del nord è arrivatafinalmente la notizia tanto attesa: un nuovo singer, Magz Arnar (ex GroundMower e Soul 78) chiamato nel non facile compito di sostituire l'uscente Magnus,ed un nuovo album in cantiere. Il lavoro che ha visto la luce di recente e cherilancia alla grande i The Quill nell'olimpo di certo metal, lo fa sfoggiandole armi migliori, tirate a lucido per l'occasione. L'album parte con unaccattivante riff heavy dalle forti tinte stoner: “Sleeping With Your Enemy”. Èil perfetto apripista per il nuovo corso dei Nostri, segnato dalla voce di Magz,potente e molto espressiva, capace di non far assolutamente rimpiangere il suoillustre predecessore. Il pezzo è potente, diretto e con un ritornello capacedi attaccarsi al cervello fin dal primo ascolto, indubbiamente un ottimo inizio.“Full Circle”, la canzone, con i suoi ricami 70’s su un tappeto hard‘n’heavy, chesembra uscita dal songbook degli Spiritual Beggars dell'era “On Fire”, ha un enormeimpatto. “Black Star”, primo singolo tratto da questo album, è invece uno deipezzi più accessibili dell'intero lavoro, con un tiro moderno e con quellabellissima melodia orientaleggiante che rimanda un po’ agli Alice In Chains... Maarriviamo alla prima ballad del lavoro: “River Of A Moonchild” è una canzonepregna di malinconia e di sognanti melodie, con l'emozionante interpretazionedi Magz a far da collante al tutto. I riferimenti alle atmosfere avvolgenti deiCorrosion Of Conformity e, in genere, al magnetismo della nuova scenaalternativa, sono evidenti, mentre nell'altra bellissima ballata “No Easy WayOut”, sono nuovamente i malesseri interiori del post grunge a venir fuoriprepotentemente.
Stoner, hard rock, heavy metal, il tutto riletto all'interno di una ri-attualizzazionedel 70’s sound attraverso i numi tutelari della scena moderna, che sirispecchia anche in gruppi come Black Stone Cherry e nel movimento post grunge.Gustiamoci quindi questo ritorno alla grande dei The Quill: un nuovo centro perla band svedese! (www.metallized.it/recensione.php?id=5932)

a cura di: Camillo“RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, MarcoGreco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di RinoDe Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, inonda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

PAIN OF SALVATION: reinventarsi sulla "via del sale" con un pizzico di blues, di psychedelia e di hard rock appena contaminato dal progressive

2012-01-20T18:01:00.001+01:00

PAIN OF SALVATION “Road Salt Two”(Inside Out, 2011) – www.painofsalvation.com

Tracklist:
01. Road Salt Theme
02. Softly She Cries(VIDEO)
03. Conditioned (VIDEO)
04. Healing Now
05. To The Shoreline(VIDEO)
06. Break Darling Break (extra track)
07. Eleven (VIDEO)
08. 1979
09. Of Salt (extra track)
10. The Deeper Cut
11. Mortar Grind
12. Through The Distance
13. The Physics Of Gridlock
14. End Credits

Continua il viaggio neglianni 70 da parte di Daniel Gildenlöw e soci in quella che sembra proprio esserela nuova vita della band. Se con “Road Salt One” nel 2010 i Pain Of Salvationhanno iniziato a ricostruire il proprio sound e per farlo hanno dovutoricominciare dal primo mattone, con “Road Salt Two” (compostocontemporaneamente al precedente ma pubblicato nel 2011) i Nostri aggiungono unpo’ di sovrastruttura, sempre restando su coordinate squisitamente vintage.Questo nuovo capitolo è un po’ più oscuro e sicuramente più blues delprecedente pur continuando a giocare con psichedelia e rock duro e cercando dimantenere più o meno a freno una sorta di grezza energia primitiva.

Il lavoro ha un andamentomolto cinematografico, si apre (e si chiude) con una breve orchestrazione dalsapore indo-cinese, per poi lasciare spazio alle distorsioni cupe e roche di “SoftlyShe Cries”. Il riff portante, se solo fosse stato ribassato di un paio diottave e ingrassato a dovere, potrebbe essere scappato dalla penna di TonyIommi e, come se non bastasse, lo spettro del baffuto dinosauro emerge in altrifrangenti come in “Eleven” o in “Conditioned” (che oltre ad essere uncollegamento con la “Linoleum” del precedente capitolo, è un’evidenterivisitazione della “Supernaut” di sabbathiana memoria).

Le sorprese sonoovviamente dietro l’angolo, vi stupirete infatti trovandovi in mezzo a “HealingNow” intrisa com’è della vena folk degli Zeppelin, o alla morriconiana “To TheShoreline” o a “Through The Distance”, che in qualche modo ci ha ricordato la CinematicOrchestra di “Ma Fleur”.

Il disco “nero” non haquindi nulla da invidiare al gemello “bianco” cui è legato indissolubilmente.Di conseguenza se lo avete apprezzato, allora “Road Salt Two” sarà ilbenvenuto, altrimenti evitatelo. A questo punto della storia dei Pain OfSalvation c’è un fatto incontrovertibile da considerare: Daniel Gildenlöwsembra voler puntualizzare, tramite questi lavori, che si è stufato del metalprogressivo e molto probabilmente del metallo in generale. Se volete ancora quellesonorità, è meglio che cerchiate nel passato della band piuttosto che nelpresente e, probabilmente, nel futuro. Per la cronaca, Pain Of Salvation sonoin giro fin dalla seconda metà degli anni ’90 del secolo scorso ed hanno all’attivopoco meno di una decina di lavori ufficiali, se escludiamo un paio di raccoltedal vivo su cd e dvd. E se poi siete degli estimatori del genere, consigliospassionatamente di procurarvi il bellissimo “One Hour By The Concrete Lake”(1998): straordinario album di purissimo progressive metal da affiancare alleopere migliori dei Rush, dei Dream Theater o dei grandissimi esottovalutatissimi Fates Warning. Per chi scrive, i due più recenti “Road Salt”,parte 1ª e parte 2ª, rappresentano comunque uno degli apici compositivi dei PainOf Salvation, capaci di reinventare il proprio sound in qualcosa dicompletamente diverso dal loro medesimo recente passato, ma non per questo menointrigante. (http://www.outune.net/dischi/medium/pain-of-salvation-road-salt-two/33711)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da CamilloFasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttivacollaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo,in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittenteradiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

RADI@zioni NRG 2012 / Disco Hot N°2: THE BLACK KEYS “El Camino” (2011)

2012-01-20T17:41:00.000+01:00

Strano mavero, ma il fine anno il più delle volte riserva delle piacevoli sorprese. Il2011, quasi per concludere in bellezza un anno un po’ avaro di vere sorprese,ci ha regalato un’autentica perla: il nuovo album dei The Black Keys, a mioavviso il loro migliore ed anche uno dei migliori dell’annata appena conclusa. Prodottocome il precedente da Danger Mouse, l’album ha uno spirito autenticamentegarage, mostra grinta e mette addosso grande entusiasmo pieno com’è di singoliche acchiappano fin dal primo ascolto.

Anti divi eamericani fino al midollo i due Black Keys (Carney & Auerbach) che dal vivosi avvalgono di bravissimi collaboratori, riescono a cambiare strada e ancorauna volta a scegliere la direzione giusta!

…concludendo: Vi ricordo che testi e scelte musicali di questo particolareframmento radi@ttivo sono a cura di Carmine Tateo (www.facebook.com/profile.php?id=100003030496813), vi do appuntamento alla settimana prossima con unaltro Disco Hot sempre da Ciccio Riccio, sempre con RADI@zioni NRG ma semprecon Camillo Fasulo pronto a dar voce alle affermazioni del buon Carmine!…

Tracceconsigliate:

LonelyBoy (VIDEO)

GoldOn The Ceiling (VIDEO)

HellOf A Season (VIDEO)

RADI@zioni NRG 2012 / Disco Hot N°1: LITTLE BARRIE “King Of The Waves” (2011)

2012-01-20T17:15:00.001+01:00

Arrivano daNottinghamshire (Inghilterra), e questo “King of the waves” è il loro 3° albumma è come se fosse il 1°. Hanno cambiato batterista e produttore. Adesso dietrola consolle si trova il più esperto Edwyn Collins e di conseguenza anche illoro sound ha subìto radicali mutamenti.

Trascinantiriff di chitarra, basso e batteria dalle frequenti incursioni in territorifunky e adrenalinico rhythm’n’blues: questa è la formula della band che, comespesso capita anche ai migliori, i burattinai del music business hannosnobbato. Ma il rock’n’roll è vivo è vegeto e i Little Barrie ne sono unavalida testimonianza!

Tracceconsigliate:

SURFHELL (VIDEO)

HOWCOME (VIDEO)

ICAN’T WAIT (VIDEO)

OKKERVIL RIVER: "I Am Very Far" è un album che sottolinea la grandezza di questa band

2012-01-12T18:09:00.002+01:00

OKKERVIL RIVER “IAm Very Far (Jagjaguwar, 2011) - www.okkervilriver.com

TRACKLIST:
01. The valley (video http://youtu.be/vCAAceeWA_Q)
02. Piratess (video http://youtu.be/PAXXftP_ln8)
03. Rider (video http://youtu.be/Tb2u9YxAqys)
04. Lay of the survivor
05. White shadow waltz
06. We need a myth (video http://youtu.be/y6x1u2KvjUc)
07. Mermaid
08. Hanging from a hit
09. Show yourself
10. Your past life is a blast
11. Wake and be fine (video http://youtu.be/iHaCtxW6Vv8)
12. The rise

Tra il 2007 e il 2008 gli OkkervilRiver avevano concentrato i punti più alti della loro carriera, condue dischi provenienti dalle stesse sessioni (“The stand ins” e “The stagenames”), una emozionante raccolta di cover registrate dal vivo (“Goldenopportunities”) distribuita gratuitamente via Internet e un tour che li haimpegnati a lungo. Dopo tutta questa frenesia produttiva Will Sheff, voce eleader della band, ha chiuso le serrande e ci ha pensato un po' prima di farsentire una nuova canzone, riaffacciandosi solo alla fine del 2010 con lacollaborazione con Roky Erickson (13th Floor Elevators), sfociatanell'album “True love cast out all evil”: una sorta di prova generale pertestare la consistenza di tutta la band prima di pubblicare, finalmente, unnuovo album di inediti. Abituati al folk rock semplice e diretto dei dischiprecedenti, l'ascolto di questo nuovo disco si propone inizialmente come un belpugno in pieno viso. Il risultato, di primo acchito, potrebbe suonare detestabile,ma dandogli fiducia e analizzandolo con cura questo disco può donare piùsoddisfazioni di quanto si possa credere. E pazienza per il pugno, questo è pursempre rock'n'roll. (http://www.rockol.it/recensione-4622/Okkervil-River-I-AM-VERY-FAR)

La prima cosa che risalta di questo ‘I Am Very Far’ è il suo‘umore’, difficile da raccontare, non semplice da assorbire. Viene da chiedersise il disco sia frutto di un progetto musicale che li vede in parte cambiarrotta, allontanandosi così dalla matrice che li ha fin d’ora caratterizzati ose invece, cosa assai meno probabile, sia la conseguenza di un vuoto creativo.Personalmente quello che conta è che l’album suoni bene, per il resto, solo ilfuturo prossimo potrà darci una risposta. Un ottimo disco comunque, chesottolinea la grandezza di questo gruppo. (http://appuntinovalis.blogspot.com/2011/05/okkervil-river-i-am-very-far-2011.html)

“I Am Very Far” è il sesto album degli OkkervilRiver, band folk-indie-rock proveniente da Austin in Texas. Partodal presupposto che tutti conosciate almeno un disco degli Okkervil River, secosì non fosse cercate di rimediare quanto prima, magari cominciando dalmagnifico “Down The River of Golden Dreams” (il lorosecondo album pubblicato nel 2003). Assodato questo, ecco cosa c’è di nuovo: “IAm Very Far” è un disco decisamente convincente sebbene diverso dallaprecedente discografia. “The Valley” parte subito con il piede pigiato sull'acceleratore con untamburo a scandire l'andamento sostenuto, quasi una marcia, a cui sisovrappongono archi su archi creando un caos “ordinato”. “Piratess”, invece, è unbrano costruito solo sul groove di basso, lontano anni luce da quanto sentitoin passato, e con dei giornali strappati usati per le percussioni. Ma la band dàqui dimostrazione di saper padroneggiare una gamma ancor più ampia di strumentie suoni: sezioni d’archi, tastiere, fiati e arrangiamenti corali. Ne sono benrappresentative “Rider”(fantastica e con un finale “spectoriano”) e “Wake And Be Fine” nella quale, narra la leggenda,pare siano stati impiegati due batteristi, due pianisti, due bassisiti esette(!) chitarristi, in una sessione di registrazione durata 12 ore. “We Need A Myth”, uno deimiei pezzi preferiti, può essere considerato l’anello di congiunzione fraquesto disco e i “vecchi” Okkervil River. L’overdose sinfonica, prestata alconsueto binomio folk / rock, sbilancia “I Am Very Far” verso territori rock.Così mentre il cantato di Will Sheff non accenna a ricomporsi, anzi è ancoraaccorato, emotivo e “di pancia”, il sound del disco si fa più rock, scuro,nitido e meno farraginoso. (http://www.indieriviera.it/indie-rock/okkervil-river-i-am-very-far/)

C'è un tempo per cercare di dominare le onde e un tempo perlasciarsi travolgere dalla corrente. Perdere il controllo, abbandonarsi allapiena: le acque del fiume Okkervil rompono gli argini, invadono terre,anime e corpi. "I Am Very Far" è un alluvione che spinge lontano,trascinando ogni cosa con sé: così lontano che, stavolta, Will Sheff e la suaciurma sembrano aver smarrito la rotta di casa. La densità prevale sullamisura, l'evocazione prevale sul racconto. "Lo scopo", per usare leparole di Sheff, "era spingere la mia mente in posti dove non volevo andare".Luoghi nascosti nel profondo di sé, al di là della soglia su cui vegliano lenere sagome raffigurate in copertina. Come Orfeo oltre le porte degli inferi,senza mai voltarsi indietro. (http://www.ondarock.it/recensioni/2011_okkervilriver.htm)

acura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

RADIO MOSCOW: terribilmente anacronistici ma perfettamente incastrati in questo millennio

2012-01-07T19:13:00.004+01:00

RADIO MOSCOW “The Great Escape Of Leslie Magnafuzz” (Alive Records, 2011) - www.radiomoscow.net

Tracklist:
1. Little Eyes
2. No Time
3. Speed Freak (video)
4. Creepin’ (video)
5. Turtle Back Rider (video)
6. Densaflorativa
7. I Don’t Need Nobody
8. Misleading Me
9. Summer Of 1942 (video)
10. Insideout
11. Deep Down Below
12. Open Your Eyes

Dopo l'ottimo esordio omonimo del 2007 e lo strepitoso seguito di "Brain Cycles" del 2009 (proposto come disco radi@ttivo nella puntata #1072 di “RADI@zioni” del 9 novembre 2009), "The great escape of Leslie Magnafuzz", terzo lavoro della band americana, corre veloce come un treno impazzito su binari psichedelici, tra echi hendrixiani e sonorità alla Blue Cheer. Formatisi nel 2003 da un'idea del cantante e polistrumentista Parker Griggs, dopo vari cambiamenti di line up, la formazione odierna prevede tra l'altro il bassista Zach Anderson e il batterista Cory Berry: dunque un vero power trio capace di catapultarci indietro nel tempo, alle sonorità acide del rock blues anni 70. "The great escape of Leslie Magnafuzz" sembra suonare come una potentissima jam session: senza pausa alcuna il trio sforna a ripetizione riff e ritmi talmente potenti da tener letteralmente incollato alla sedia l'ascoltatore. (distorsioni-it.blogspot.com)

I Radio Moscow sono la dimostrazione di come oggi si possa ancora fare musica fresca di alto livello che richiami le sonorità seventies mischiando Zeppelin con Hendrix e Deep Purple con Black Sabbath. Gli elementi del precendente “Brain Cycles” vengono ripresi e amplificati, a discapito del blues tout court, in lunghe cavalcate acide come l'opener “Little Eyes”. La stessa sorte tocca alla successiva “No Time” che ricorda i Grand Funk Railroad: immaginiamo che la band dal vivo sia come l'attacco di un B-52 a pieno carico di bombe ad alto potenziale distruttivo. Gli assoli acidi e la ritmica ansiogena di “Speed Freak” confluiscono nel bellissimo blues Creepin': il brano è arricchito dall'armonica e liriche ossessive interrotte solo dell'assolo forgiato nel wah-wah che passerebbe velocemente l'esame Jimi. (rockaction.it)

Registrato al Prairie Sun nel Nord della California, già covo di Tom Waits, Iggy Pop, Paul McCartney, Santana e Primus, per citarne una minima parte, la vera forza di questa registrazione, tutta in analogico e con strumentazioni anni sessanta, è che non ci sono pause: continui assoli di chitarra richiamano la storia del più virtuoso Hendrix ed è “Turtle Back Rider” a regalare le maggiori emozioni, per ammissione dello stesso cantante: “Lì c’è tutto il senso e il suono del disco’’. È un album libero, anche figlio dell’improvvisazione e della jam session: libero nei suoni e senza confini, così insensatamente anacronistico da incastrarsi perfettamente in questo millennio. Per i Radio Moscow, questa produzione non dovrà essere il punto d’arrivo di una svolta stilistica, ma il carburante essenziale per i loro progetti futuri, benzina per il loro pulmino. (outsidersmusica.it)

(Rino De Cesare)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

CANSEI DE SER SEXY: Formula che vince non si cambia

2012-01-07T19:04:00.001+01:00

CANSEI DE SER SEXY “La Liberacion” (2011)

Formula che vince non si cambia… è il caso dei CSS… infatti il loro sound resta inconfondibile: sintetizzatori economici, beat dance e basso corposo.

Ad un primissimo ascolto “La Liberacion” sembra un album pieno di potenziali hit adatti ad essere consumati sul dancefloor nelle prossime stagioni, ma ad un ascolto più approfondito sembra che sia stato fatto un passo indietro. Se la maturazione dei CSS sarebbe dovuta avvenire con questo CD credo proprio che dovremmo avere la pazienza di aspettare il prossimo, anche se il materiale, già scritto e registrato durante il tour precedente, e ampiamente rodato nei live faceva presagire il contrario.

Anche in questo disco ci sono collaborazioni eccellenti, come nel primo singolo dove è presente la voce di Bobby Gillespie dei Primal Scream, per citarne una. Tutto sommato i tre quarti d’ora d’ascolto proseguono piacevolmente senza troppi scossoni o straniamenti, ma francamente ritengo che si potesse fare di più. “La Liberacion” rimane senz’altro un disco piacevole (forse perché sono fan dei CSS?) ma che probabilmente non verrà ricordato come significativo in un prossimo futuro! (Carmine Tateo)

Tracce segnalate:

LA LIBERACION (video http://youtu.be/-fy_sHKwOfo)

HITS ME LIKE A ROCK (video http://youtu.be/8ldxTv6N5rw)

FUCK EVERYTHING (video http://youtu.be/MqZymmB5zdI)

THE BLACK KEYS: Un album per tutte le stagioni!

2011-12-17T23:04:00.004+01:00

THE BLACK KEYS “El Camino” (Nonesuch Records, 2011) - www.theblackkeys.com

Tracklist:

1. Lonely Boy (VIDEO: http://youtu.be/a_426RiwST8)

2. Dead And Gone

3. Gold On The Ceiling (VIDEO: http://youtu.be/VcNyhCXNvQE)

4. Little Black Submarines (VIDEO: http://youtu.be/0_JvY9xeVNM)

5. Money Maker (VIDEO: http://youtu.be/LWuuzohpSSs)

6. Run Right Back

7. Sister

8. Hell Of A Season

9. Stop Stop

10. Nova baby

11. Mind Eraser

“Attenzione può generare dipendenza”. Ecco la controindicazione che manca sulla copertina del nuovo disco dei The Black Keys, “El Camino”, giunto nelle nostre cuffie in chiusura di questo anno, tutto sommato caratterizzato da una certa sobrietà musicale. E invece il duo dell’Ohio ci travolge con i suoi pezzi al fulmicotone, ricordandoci che ad alzare le chiappe non ci vuole molto, o forse si… e, comunque, ci vuole il disco giusto! Una pozione sanguinolenta fatta di attitudine rock’n'roll, sonorità garage e riff blues, ma la mistura non funzionerebbe così bene senza la giusta potenza in tutte le tracce e quell’inconfondibile american style, e qui Hendrix docet. Non c’è da stupirsi se a rimanerne incantati sarà un pubblico decisamente vasto: “El Camino” è un disco ancestrale, viscerale, contagioso, e di fronte alla pienezza di brani come “Gold on the Ceiling” è davvero difficile resistere! (polkadot.it).

“El Camino” è più conciso di “Brothers”, compatto e meno paludoso, niente digressioni. Ogni tanto escono album così: maledici il progresso e ringrazi che qualcuno il rock’n'roll l’abbia ancora nel sangue. È il suono dei The Black Keys che mostrano i muscoli e che, esplorata la black music, ne traggono le naturali conseguenze. Il soul gioca ancora un ruolo importante (“Sister, Stop Stop”), ma il volume e la melodia prendono il sopravvento, volutamente e ostentatamente. Dal blues al rock’n'roll, ripercorrendo idealmente il viaggio dei padri. Un esempio: “Little Black Submarines” che parte acustica e minimale, persa in un incrocio blues/folk, per esplodere poi d’un tratto in un’onda d’urto zeppeliniana e di lì verso un finale che straccia qualsiasi pretesa di imparare come si fa da “Guitar Hero”. A riprova, all’attacco della successiva “Money Maker” uno si ritrova a suonare la air guitar pure alla fermata del tram, così, senza pudore (nonsiamodiqui.it).

“El Camino” è un album per tutte le stagioni, gradevole e ambiguo, accattivante ma innocuo (il “ma” significa che vorremmo sempre un rock scomodo e inquietante, che ci turbi nelle nostre certezze, che riesca a portarci in mondi che non avremmo mai immaginato). È un tipico segno della nostra epoca, con un che di inevitabile: Dan e Patrick citano i Cramps e i Clash, gli Stones ed i Led Zeppelin, ma sono giusto evocazioni, fuochi fatui di una musica e di uno spirito un giorno fisicamente presenti e ben più soverchianti.

Il titolo temiamo sia stato equivocato. La Chevrolet “El Camino” fu un modello in voga negli States negli anni ’60 ma quella che si vede in copertina è un’altra auto, una più recente Chrysler Town & Country. Siccome fu il pullmino dei sogni dei due Black Keys agli inizi dell’avventura anni fa, sembra verosimile che “El Camino” vada preso alla lettera e indichi semplicemente “la strada”; il lungo tratto percorso da Carney e Auerbach negli ultimi dieci anni e prima ancora, da Akron alla vetta del rock (myworld.it).

(Rino De Cesare)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

MASTODON - Una band in continua trasformazione

2011-12-11T13:17:00.004+01:00

MASTODON “The Hunter” (Reprise, 2011) – www.mastodonrocks.com

Tracklist:

1. Black Tongue (video http://youtu.be/1vNBeoPOZls)
2. Curl Of The Burl
3. Blasteroid
4. Stargasm
5. Octopus Has No Friends
6. All The Heavy Lifting
7. The Hunter
8. Dry Bone Valley
9. Thickening
10. Creature Lives (video http://youtu.be/LxALZkrAIIE)
11. Spectrelight
12. Bedazzled Fingernails (video http://youtu.be/DcZBLzAkiUY)
13. The Sparrow (video http://youtu.be/M8RvJ8N_MS8)

Tra le band emerse negli anni ’00 sono quelle dotate di maggior creatività e personalità, tra le poche davvero in grado di apportare qualcosa di nuovo nell’universo metal, riuscendo anche a raggiungere buoni livelli di apprezzamento e di popolarità. La loro musica non è proprio di facile assimilazione: parte dal thrash e dal death, passa per hardcore, sludge e psychedelia per approdare al prog e al rock classico. Sono una band in continua evoluzione ed ogni album è diverso da quello che l’ha preceduto. Hanno girato il mondo in compagnia dei maggiori nomi del metal mondiale. Hanno suonato per il pubblico di Iron Maiden, Slayer, Metallica, Machine Head e Tool prima di arrivare a riempire i grandi club nel loro più recente tour mondiale da headliner. Si sono fatti valere e si sono guadagnati il rispetto di una larga fetta di fans e di coloro che, soprattutto dal metal, cercano sempre qualche nuova e vincente soluzione. “The Hunter” è il loro quinto album da studio e le sorprese non finiscono qui! (Rock Hard n° 24, vers. Italiana, ottobre 2011)

Dopo quattro album concept sugli elementi base della natura - acqua, aria, terra e fuoco - con “The Hunter” il filone viene accantonato. Non si parla più di imprese epiche e di citazioni romanzesche. Al primo ascolto si potrebbe rimanere perplessi. Il suono si fa smussato, rotondo. Perde un pò della ruvidità dei lavori precedenti. Le tracce non sono più suite da oltre 10 minuti, ma schiette e dirette, quasi in “your face”. In ogni caso sono un passo in avanti, nuova linfa per il metal. I puristi potranno anche storcere il naso, in quanto c’è una strizzata d’occhio ad un’apertura più mainstream, ma quest’album non passerà inosservato e lo vedremo sicuramente nella top ten dei migliori album del 2011. (http://www.impattosonoro.it/2011/10/26/recensioni/mastodon-the-hunter/)

La varietà è il vero marchio di fabbrica di quest’opera, con accelerazioni classicamente metal (come “Dry Bone Valley” e “Spectrelight”) e inserti allucinatori (come in “Bedazzled Fingernails”). Ma è con citazioni esplicite dai Pink Floyd che “The Hunter” raggiunge la vetta. Se “The Sparrow”, unico pezzo del disco a sfiorare i 6 minuti, è una lenta discesa nell’oblio, che rievoca cavalcate e voli a perdersi, è “Creature Lives” ad aprire orizzonti fino ad ora inesplorati dai Mastodon. L’inizio è una citazione che si sfoga nella campionatura di “On the Run” dei Pink Floyd e di “Invincible” dei Muse, salvo poi trasformarsi in un arpeggio di chitarra dolce e secco allo stesso tempo. Il crescendo è da apoteosi e la solennità dei cori, uniti all’aprirsi della melodia, lascia brividi e bocche aperte. Onore ai Mastodon, quindi, che non avranno certo fatto un disco perfetto, ma hanno avuto il coraggio di non cavalcare l’onda ripetendosi e, anzi, trasportando il loro stile inconfondibile in canzoni diverse e forse più accessibili, ma allo stesso tempo tremendamente virtuose. (http://www.osservatoriesterni.it/mastodon-hunter)

Sarà “The Hunter” quel passo di troppo che condusse il “Black Album” e “Songs For The Deaf” e i loro rispettivi autori (Metallica e Queens Of The Stone Age, per intenderci) verso il grande pubblico mainstream, slegato da quello più affezionato e devoto? Difficile rispondere. Per ora prendiamoci qualche anno per valutare feedback e passi futuri. Ma terminato l'ascolto, un piccolo pensiero s’insinua come un tarlo nella mente, soprattutto avendo, ancora, nelle orecchie i suoni dei precedenti dischi. Ma, dopo tutto, i due album sopra citati sono entrati di diritto tra gli imprescindibili del rock, quindi quale augurio migliore? Il consiglio per godersi questo disco è di non armarsi fino ai denti per andare a caccia dei fantasmi del passato ma godersi l'album per quello che è, aspettando le prossime battute di caccia per meglio inquadrarlo nella discografia del gruppo. Solo allora scopriremo se questo “The Hunter” è una meritata pausa o un nuovo inizio. Nonostante tutte queste parole, una delle migliori uscite dell'anno! (http://enzocurelli.blogspot.com/2011/10/recensione-mastodon-hunter.html)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

BEIRUT: un piccolo capolavoro ispirato alla grande tradizione folk americana... ma non solo!

2011-12-03T12:45:00.001+01:00

BEIRUT “The Rip Tide” (Pompeii Records, 2011) – www.beirutband.com

Tracklist:

1. A Candle’s Fire

2. Santa Fe (video http://youtu.be/-wJFhjXk9sc)

3. East Harlem

4. Goshen

5. Payne’s Bay

6. The Rip Tide (video http://youtu.be/7r3BZITZVYg)

7. Vagabond (video http://youtu.be/G8TfnYKnppY)

8. The Peacock

9. Port Of Call (video http://youtu.be/Bd6Cm1p4c20)

In soli due anni, tra il 2006 e il 2007, i Beirut sono diventati una band di culto grazie a due album intensi e originali in cui venivano rimescolati in un unico calderone ritmi balcanici e fiati messicani, cantautorato francese e spirito americano. Un vero progetto di contaminazione nato dalla mente di un giovane e talentuoso musicista che porta il nome di Zach Condon, il quale, con la sua piccola fanfara, ci ha regalato due dischi importanti come “Gulag Orkestar” e “The Flyinh Club Cup” e una manciata di EP per poi concentrarsi su un tour interminabile che lo ha visto raccogliere un consenso unanime sia in Europa che negli Stati Uniti concludendo la sua corsa in Brasile, nazione in cui ha avuto un enorme riscontro di pubblico. A due anni dalla loro ultima pubblicazione ufficiale, l'EP “March of the Zapotec/Holland”, finalmente i Beirut sono tornati con un nuovo album, “The Rip Tide”, che raccoglie appena nove canzoni per una mezz'ora di musica in cui la formazione di Santa Fe si conferma legata a quel particolare sound con cui si è contraddistinta fino ad oggi lasciando trapelare un maggior senso di malinconia. (rockol.it)

La creatura di Zachary Francis Condon è passata in pochi anni da grande sorpresa a vera icona dell’ambito indie internazionale (ed in questo senso si può vedere un deciso parallelo con gli Arcade Fire): ecco perché l’attesa per il nuovo album era decisamente alta. Ma questo ”The Rip Tide” non è una vera e propria evoluzione, più che altro è una “summa” del suono Beirut, dove la contaminazione non è mai stata così piacevole e così perfetta, dove i Kings of Convenience incontrano i Gogol Bordello e sembra che suonino insieme da una vita, dove la voce da crooner di Zach sa emozionare anche solamente accompagnata da un piano (“Goshen”, “The Rip Tide”), dove l’esordio di un po’ di elettronica rende una melodia irresistibile (“Santa Fe”, omaggio alla città natia), dove i fiati dialogano con il pianoforte regalando grandi suggestioni (“Vagabond”). (indieforbunnies.com)

Con quest’ultimo lavoro i Beirut fanno il grande salto di qualità, facendo emergere un suono completamente personale che li distingue dalla “massa musicale” odierna regalandoci intrecci musicali di notevole profondità. “The Rip Tide” è uno di quei dischi dove non c'è un solo secondo sprecato, che si ascoltano dall’inizio alla fine senza nessuna interruzione e in continuazione per diversi giorni, per poi riprenderlo e trovare ancora delle “pieghe” nascoste a riconferma della sua bellezza. Un piccolo capolavoro di classe, godibile e intelligente, musicalmente ispirato alla grande tradizione folk della canzone americana e suonato da bravi musicisti. (appuntinovalis.blogspot.com)

Se ancora non conoscete i Beirut “The Rip Tide” è senza dubbio l’album giusto per cominciare ad apprezzarli, se già li amate li gusterete ancora di più in questo lavoro che porta a compimento tutte le piacevoli intuizioni avute dal buon Zachary fin dall’esordio. Un punto d’arrivo. Il futuro ora non interessa. (indieforbunnies.com)

Rino De Cesare

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

THE OSCILLATION: "oscillazioni" tra dark wave, psychedelia e krautrock

2011-12-03T12:32:00.001+01:00

THE OSCILLATION “Veils” (2011)

… A quasi tre anni di distanza dal loro debutto, la band londinese mette in giro il proprio secondo album. Dopo aver girato il mondo in lungo e in largo in compagnia di altre band come Chrome Hoof, Deerhunter e Moon Duo, giusto per citarne qualcuna, i ragazzi hanno maturato un suono “Oscillation” ormai abbastanza riconoscibile… un suono che spazia dalla “dark wave” alla “psychedelia” e fino al “krautrock”.

L’album presenta una gamma notevole di “oscillazioni” che vanno da semplici canzoni melodiche al caos “noise-no-wave”, e questo fa della band una delle più esperte nel settore, perfino impermeabile alle solite critiche appioppate a chi, ancora molto giovane, osi cimentarsi con simili dimostrazioni sonore. The Oscillation entrano di diritto nell’Olimpo della musica e anche se potrebbe essere disturbante sorbirsi la lunghezza di alcune sue tracce, “Veils” resta decisamente un album da premiare!

… concludendo: Vi ricordo che testi e scelte musicali di questo particolare frammento radi@ttivo sono proprio a cura di Carmine Tateo, vi do appuntamento alla settimana prossima con un altro Disco Hot sempre da Ciccio Riccio, sempre con RADI@zioni NRG ma sempre con Camillo Fasulo pronto a dar voce alle affermazioni del buon Carmine che ad ogni buon conto segnala di questo album le seguenti tracce!…

future echo (video http://youtu.be/mDxz4xRlKac)

fall (video http://youtu.be/dROODdxoSPo)

see through you (video http://youtu.be/KNdZpD33kNU)

ANTHRAX - "Worship Music": un parto difficile ma i risultati ci sono!

2011-11-26T19:51:00.001+01:00

ANTHRAX “Worship Music” (Megaforce Records, 2011) – www.anthrax.com

Tracklist:

1. Worship (intro)
2. Earth On Hell (video http://www.youtube.com/watch?v=aO5nhO-jXqg)
3. The Devil You Know (video http://www.youtube.com/watch?v=TT76uz21TNg)
4. Fight 'em 'til You Can't (video http://www.youtube.com/watch?v=nzDmgn-G2FM&feature=relmfu)
5. I'm Alive (video http://www.youtube.com/watch?v=jpJobQns0yg)
6. Hymn 1
7. In The End
8. The Giant
9. Hymn 2
10. Judas Priest
11. Crawl (video http://www.youtube.com/watch?v=PORfHUdWS1Y)
12. The Constant
13. Revolution Screams / New Noise (Refused cover ghost track)

Erano 8 anni che aspettavamo questo disco e devo proprio dire che ne è valsa la pena! Qui non abbiamo un semplice disco degli Anthrax ma un vero e proprio capolavoro, almeno per gli amanti del genere. Lo metti in play e subito piace, cosa che di solito non accadeva almeno dal 1990-91 (era il periodo d’oro dei vari “Black Album”, “Rust In Piece”, “Seasons In The Abyss”, solo per citarne qualcuno, ricordate?). Gli Anthrax sono tornati con il loro vocalist originale, Joey Belladonna, con il quale non facevano album dal lontano 1990 (da “Persistence Of Time” per intenderci) ed è stato un ritorno piacevolissimo. Il disco prende dal primo all'ultimo brano. È una macchina da guerra pesante ma ben bilanciata e ben coordinata dagli straordinari riff di Scott Ian. La prima bordata arriva con “Earth On Hell”, classico pezzo thrash che ci fa subito capire cosa ci aspetterà: batteria indemoniata e riff al cardiopalma! “The Devil You Know” è stata definita dagli stessi membri della band come una canzone degli Anthrax ma con il groove degli AC/DC. Effettivamente è così, con un ritornello che conquista e non ti abbandona più. Il primo singolo scelto è “Fight 'Em 'Til You Can't”. Scelta abbastanza opinabile dopo aver ascoltato l’intero disco. La canzone è dignitosa ma non paragonabile alle altre tracks dell’album. La scelta potrebbe essere stata influenzata dalla passione di Ian per i fumetti in particolare di “Zombie”, ed è proprio la battaglia contro i morti viventi il tema di "Fight 'Em 'Til You Can't". Altre canzoni degne di nota, e che diventeranno sicuramente parti fondamentali delle scalette dei live sono, “I'm Alive” e “Crawl” che non sono proprio dei pezzi thrash ma rientrano pienamente nelle corde vocali di Belladonna. Ogni canzone ha un suo perché e non siamo davanti a delle fotocopie del thrash anni ’80! (http://www.comingsoon.it/Musica/Articoli/Speciali/Page/?Key=8822)

“Worship Music” è la decima fatica in studio dei thrashers newyorkesi più famosi al mondo, vale a dire proprio quegli Anthrax che, di recente, hanno ottenuto il giusto riconoscimento alla loro ormai quasi trentennale carriera, venendo schedulati per il tour mondiale del cosiddetto “Big 4”, vale a dire i 4 gruppi (Metallica, Megadeth, Slayer e, appunto, Anthrax) che hanno gettato le basi del thrash metal e che, di conseguenza, sono stati seminali per tutto il metal più estremo che da lì in seguito avrebbe fatto capolino sulla scena mondiale. Il parto di quest'album non è stato per nulla semplice, dato che, inizialmente, il compito di registrare le parti di voce era stato affidato all’esordiente Dan Nelson, per essere sostituito dallo storico singer Joey Belladonna quando le parti di Nelson erano ormai tutte pronte. La band, per contro non ha mai fornito molte spiegazioni riguardo all'accaduto, ma tant'è che l’uscita di scena di questo signor sconosciuto per far posto al ritorno di colui che ha reso famosa la band in tutto il mondo prestando la propria ugola per album seminali come “Spreading the Disease”, “Among the Living” e “State of Euphoria”, ha di sicuro fatto la felicità di tutti i fans della prima ora. Personalmente, ho sempre preferito la voce di John Bush, dal registro meno esteso ma molto più espressiva, per quanto bisogna ammettere che gli album più belli siano stati realizzati con Belladonna. Tuttavia, sono fermamente convinto che, col timbro vocale più graffiante di Bush, quest'ultimo capitolo della saga Anthrax avrebbe guadagnato qualche punticino in più. Questo perché l'album, che non è niente male, è certamente un album che guarda parecchio indietro nel tempo, agli esordi della band, ma con un particolare tocco di attualità che ci impedisce di parlare del tutto di “operazione nostalgia”. Intendiamoci: dietro “Worship Music” non c’è nulla di miracoloso, ma sicuramente è un passo in avanti in termini di qualità, rispetto a quanto i ragazzi hanno composto negli ultimi anni; è dai tempi di “Sound of White Noise” (1993) che gli Anthrax non sfornavano nulla di veramente eccellente e non credo che Scott Ian e soci riusciranno mai a bissare quel grande successo, né tantomeno i pilastri storici degli anni '80. Bisogna farsene una ragione: la gente continuerà ad osannare gli Anthrax per brani storici come “Indians”, “Caught in a Mosh”, “Metal Thrashing Mad” ecc… tutto il resto serve solo a fare volume in un curriculum che fa di loro a pieno diritto, uno dei “Big 4”. (http://www.longliverocknroll.it/index.php?option=com_content&view=article&id=1250:anthrax-worship-music&catid=1:recensione-album&Itemid=2)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

FLEET FOXES: nuovi "vecchi" segreti & tesori nascosti

2011-11-13T14:17:00.001+01:00

FLEET FOXES “Helplessness Blues” (Sub Pop/Bella Union, 2011) – www.fleetfoxes.com

Tracklist:
1. Montezuma (http://www.youtube.com/watch?v=cdN2bfov9JQ)
2. Bedouin Dress
3. Sim Sala Bim
4. Battery Kinzie
5. The Plains/Bitter Dancer
6. Helplessness Blues
7. The Cascades
8. Lorelai (http://www.youtube.com/watch?v=xtFrGCJrnKc&feature=related)
9. Someone You'd Admire
10. The Shrine/An Argument (http://www.youtube.com/watch?v=jrTEKlrUdFI&feature=related)
11. Blue Spotted Tail
12. Grown Ocean (http://www.youtube.com/watch?v=Ewkhr8dM86M&feature=related)

È facile intuire che questo “Helplessness Blues” dev’essere stato proprio una bella gatta da pelare per i Fleet Foxes. Provate solo a pensare cosa significhi dare un seguito a un debutto come il loro omonimo del 2008, un disco semplicemente troppo bello per essere vero, pienamente meritevole di tutte le lodi e le iperboli di cui è stato – ed è ancora – oggetto. Provate solo per un attimo a mettervi nei panni del giovane Robin Pecknold: un giorno in cameretta ad imparare, sulla chitarra, le canzoni di Dylan, Neil Young e Joni Mitchell con i tuoi migliori amici (fra i quali il chitarrista Skyler Skjelset) e prima ancora di rendertene conto ti ritrovi scaraventato su di un palco, folle estasiate di mezzo mondo che applaudono sotto di te, incantate dalle tue canzoni… Ora, come si fa a dare un seguito al più bello dei tuoi sogni? Non è impossibile, ma devi avere la capacità di riuscire a sognare tutto da capo. Devi trovare un modo per canalizzare positivamente le inevitabili tensioni del caso e scavare a fondo dentro te stesso in cerca di ispirazione e nuovi stimoli. Ma, soprattutto, devi cercare di farlo nella maniera più onesta possibile, sforzandoti di essere autentico e sincero con te stesso, con chi ti circonda, con chi si aspetta qualcosa da te. Ecco, “Helplessness Blues” è tutto questo. È un disco che tra i suoi solchi racchiude la sua stessa travagliata storia: per questo è vivo, dinamico, in continuo divenire. Ad un primo ascolto, sembra non possedere quella magia istantanea dalla quale ci siamo trovati inondati quando abbiamo sentito per la prima volta il debutto; ma è solo perché ad essa le nostre orecchie si sono abituate. Prima che immediato, questo è piuttosto un disco che cresce, ascolto dopo ascolto, e ti invita, ogni volta, a scoprirne segreti e tesori nascosti. (www.lifegate.it)

Sebbene certe dichiarazioni “pre-partita” del leader Robin Pecknold, che vagheggiava di similitudini con Roy Harper e Van Morrison, non vadano prese propriamente alla lettera, in "Helplessness Blues" si avverte un sostanziale bilanciamento del sound in favore di “quel” folk britannico progressivo, comunitario e itinerante, in voga in Inghilterra tra la fine degli anni 60 e l’inizio dei 70, rispetto alle tonalità più genericamente flower-power e west-coast. Un parziale avanzamento del loro baricentro stilistico che ha come emblema il brano più atipico e articolato del nuovo lavoro: "The Shrine/An Argument". Piccola suite art-folk di otto minuti in tre movimenti: una prima parte più tradizionale, tutta centrata sul picking e sul cantato del solo Pecknold, una seconda solenne e in levare, un po’ alla Arcade Fire e, infine, dopo un intermezzo chiesastico per sola voce e organo, una conclusione free e rumorista screziata da viola e fiati dissonanti. Un tentativo, decisamente riuscito, di valicare l’abituale seminato folk-pop, abile nel dosare esperimenti e variazioni senza penalizzare la melodia. Il segnale positivo di un gruppo che non ha intenzione di sedersi sugli allori del recente passato. (www.storiadellamusica.it)

Ascoltare i Fleet Foxes equivale a catapultarsi nel bel mezzo di una foresta, isolarsi dal consumismo, dalle televisioni, dalla pubblicità e da tutto quanto finisce per farti odiare ciò che c’è di bello nella modernità (sempre che ce ne sia). Modernità, tuttavia, è una parola che pare non esista nel vocabolario di Pecknold e compagni. La loro genuinità rimanda a decenni lontani, passati e irripetibili: si torna a riassaporare la bellezza del lavorare la terra, dell’allevare le bestie, di ballare per le strade, di vestirsi di quattro stracci fatti in casa. Niente virtuosismi, niente di altamente tecnologico. Solo i vecchi strumenti: chitarra acustica, batteria, tastiera, percussioni e voci e cori che rivestono il tutto. I detrattori saranno pronti ad accusare le ‘volpi’ di scarso coraggio per la sperimentazione e di scarsa propensione all’innovazione. A noi viene solo da dire che il combo di Seattle è qualcosa di sprecato per questi tempi e che dovremmo ritenerci fortunati l’aver potuto vivere per 50 minuti in una dimensione extratemporale. (www.indieforbunnies.it)

Rino De Cesare

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

CAKE: un altro disco orgogliosamente fuori moda!

2011-11-13T14:02:00.003+01:00

CAKE “Showroom Of Compassion” (2011)

… Negli oltre sei anni trascorsi dalla precedente fatica (“Pressure Chief”) sono cambiate un po’ di cose (abbandono della vecchia casa discografica e creazione di una tutta loro, la Update Records inaugurata un paio di anni fa con una loro raccolta di b-sides) ma non è cambiato il loro modo di fare musica: intrecci di basso e chitarre pieni di groove, fiati tex-mex e l’incorreggibile voce dell’indiscusso leader, John McRae, sempre ironica al punto giusto.

Sembrano tornati davvero in gran forma, infatti questo è un disco Cake al 100%, anche se i tempi d’oro dei primi due album, inutile nasconderlo, restano lontani! Il singolo “Sick of you” balzato in testa nella classifica rock alternativo di Billboard è per loro una boccata di ossigeno, un giusto riconoscimento alla loro ventennale carriera.

“Showroom Of Compassion” è la somma di tutti questi anni di ricerca sonora per cui se i Cake vi sono piaciuti fino ad ora questo è un altro cd da avere e consumare.

(Carmine Tateo - e-mail: carmine.taty@live.it)

Tracce consigliate:

SICK OF YOU (http://www.youtube.com/watch?v=mi9MLL8QOY0)

WHAT’S NOW IS NOW (http://www.youtube.com/watch?v=c8E_a8HjetM&feature=related)

EASY TO CRASH (http://www.youtube.com/watch?v=0t7RMK16IYg)

(a cura di Camillo “RADI@zioni” Fasulo)

KASABIAN: "Velociraptor!" è il loro album più epico e ambizioso!

2011-11-13T13:53:00.001+01:00

KASABIAN “Velociraptor!” (2011)

… Ripartire dopo un album come “West Ryder Pauper Lunatic Asylum”, che ha portato al successo la band non dev’essere stato facile. La formula che comunque si è rivelata vincente col precedente cd (melange di pop, dance, psychedelia e “kasabianismi” vari) non è stata del tutto rispettata in “Velociraptor!”. Attenti però a parlare di gioco al ribasso perché i Kasabian guadagnano in ecletticità quello che hanno perso in originalità.

L’album contiene alcuni dei chorus più immediati fin qui scritti dal gruppo, ma loro si divertono (e si sente!) quando recuperano quella lunaticità psychedelica, dimostrando che i quattro si trovano a loro agio. Una delle band più in forma del momento!

(Carmine Tateo - e-mail: carmine.taty@live.it)

Tracce consigliate:

DAYS ARE FORGOTTEN (http://www.youtube.com/watch?v=pBsQVP-Olmw)

VELOCIRAPTOR! (http://www.youtube.com/watch?v=YLy0TMBRE-8&ob=av2n)

MEN OF SIMPLE PEASURES (http://www.youtube.com/watch?v=hGJo7tgBMRQ&feature=related)

(a cura di Camillo “RADI@zioni” Fasulo)

OPETH: superato il punto del "non ritorno"?

2011-11-03T19:55:00.005+01:00

OPETH “Heritage” (Roadrunner Records, 2011) – www.opeth.com

Tracklist:
01. Heritage
02. The Devil's Orchard (Video: http://youtu.be/G1pi7Dn87mY)
03. I Feel The Dark
04. Slither (Video: http://youtu.be/3JDaQP72PfI)
05. Nepenthe
06. Häxprocess
07. Famine
08. The Lines In My Hand (Video: http://youtu.be/tMj4CkCIHfM)
09. Folklore (Video: http://youtu.be/OleNkTc8D1E)
10. Marrow Of The Earth
11. Pyre (Bonus Track – Video: http://youtu.be/ndWUtmGOFRo)
12. Face In The Snow (Bonus Track)

Credere che un artista, nel corso della propria carriera, si interessi più ad accontentare i fans che a soddisfare se stesso, è come credere alle favole. Certo, qualcuno lo fa. Qualcuno preferisce proporre sempre la solita minestrina riscaldata pur di non rischiare di cadere rovinosamente, o per rimanere fedele alle esigenze di mercato (ma questa è un'altra storia). Gli Opeth, fin dalla loro nascita, hanno sempre dimostrato di essere unici, per certi versi ma, con l'avanzare della carriera, anche di essere uguali a pochi altri. Quei pochi altri che non si limitano a svolgere sempre lo stesso compitino, ma che preferiscono agire di testa propria, seguendo sì una certa evoluzione, ma pronti anche a mettersi nuovamente in gioco con cambiamenti radicali.

Cosa succede quindi con “Heritage”? Succede che la band torna a mettersi in gioco, in un certo senso, ma senza farlo con un cambiamento poi così radicale. "Ma come? Questi non sono gli Opeth che conoscevamo!", potrebbe già esclamare qualcuno. E invece no, questi sono proprio gli Opeth. Il ragionamento è anche abbastanza semplice: gli Opeth di “Heritage” non hanno fatto altro che "mettersi a nudo". E cosa vuol dire questo? Che se fino a un certo punto nella stessa creatura convivevano due anime ben distinte (ovvero death metal e progressive), adesso una delle due è stata messa in stand by. Åkerfeldt e soci non hanno fatto altro che abbandonare momentaneamente le influenze death e, soprattutto, metal, per lasciare spazio solo ed esclusivamente all'anima progressive. E, attenzione, non prog-metal, ma bensì prog settantiano, il rock che quarant'anni fa veniva definito come sperimentale, e che oggi sembra essere un vecchietto che (per fortuna) non ha nessuna voglia di andarsene in pensione.

Già il singolo "The Devil's Orchard" aveva fatto ben capire quale sarebbe stata la direzione intrapresa dalla band, lasciando più di un affezionato in leggero stato confusionale e altri, invece, nello sconforto più totale (i sostenitori del movimento "no growl, no party", per intenderci). Il pezzo, posto in apertura del disco, si impone anche con una certa furia, senza che ci sia necessariamente il bisogno di aggiungere doppia cassa e distorsioni prettamente più metal-oriented. A supporto c'è una produzione, affidata alle sapienti mani di Mr. Steven “Porcupine Tree” Wilson, che tenta (e un po' ci riesce) di essere il più scarna e "vintage" possibile. Sulla stessa linea anche una “Slither” (tributo personale di Åkerfeldt a Ronnie James Dio) che vira nettamente verso l'hard rock alla Deep Purple, o anche la sfuriata finale di “The Lines In My Hand”; tutti pezzi dove il "picchiatore" Axenrot (spesso additato dai fans come poco adatto alle sonorità di casa Opeth) sembra trovarsi più a suo agio. Ma non è esattamente così, perché le sorprese arrivano soprattutto dallo stesso drummer svedese, capace anche di deliziarci con un tocco delicato ed elegante che ben si sposa con le parti più lente e riflessive (il suo lavoro sulle ritmiche jazzate della splendida “Nepenthe” è solo uno dei tanti esempi a disposizione). La sezione ritmica risponde quindi più che bene ai "nuovi stimoli", grazie anche al basso di un Mendez in grande spolvero. Il tutto è corredato dall'ottimo lavoro dell'ormai ex-tastierista Per Wiberg (essenziale per quanto riguarda il lato atmosferico della musica) e dalle chitarre di Åkesson e dello stesso Åkerfeldt, quest'ultimo autore anche di una prova dietro al microfono a dir poco perfetta.

Molti dei brani a disposizione non garantiscono un impatto immediato, promettendo però delle vere e proprie soddisfazioni dopo una buona dose di ascolti, altri invece, pur non essendo diretti e coinvolgenti, riescono a farsi apprezzare anche dopo un paio di giri nel lettore. Nel secondo caso è doveroso fare riferimento alla bellissima “Folklore” (il finale è semplicemente da brividi) e Pyre, quest'ultima addirittura disponibile come bonus track per i possessori della limited edition. Un disco che è, in definitiva, come il buon vino: va assaporato con calma e, magari, ha bisogno anche di "invecchiare" un po'. “Heritage”, per essere compreso in pieno, necessita di continui e attenti ascolti, atti soprattutto a far emergere, poco per volta, ogni sua sfumatura. Un disco che, nel modo più assoluto, non è adatto a chi vuole tutto e subito, ma che ha bisogno di tanta, tantissima pazienza per essere compreso. (http://www.truemetal.it/reviews.php?op=albumreview&id=10140)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

CLAP YOUR HANDS SAY YEAH: di talento ne hanno ancora da vendere!!!

2011-10-30T11:58:00.003+01:00

CLAP YOUR HANDS SAY YEAH “Hysterical” (V2 Music, 2011) – www.clapyourhandssayyeah.com

Tracklist:

1. Same Mistake (video http://youtu.be/sbm3fczhVsM)
2. Hysterical (video http://youtu.be/IIaomBvsegQ)
3. Misspent Youth
4. Maniac (video http://youtu.be/dz_vKDw1D40)
5. Into Your Alien Arms
6. In A Motel
7. Yesterday, Never
8. Idiot
9. Siesta (For Snake)
10. Ketamine And Ectasy
11. The Witness’ Dull Surprise
12. Adam’s Plane (video http://youtu.be/5w5UvUEq3Nk)

Di tradimenti, si sa, è piena la storia del rock. La leggenda vuole che Bob Dylan, presentandosi a Newport nel ’65 con in braccio una chitarra elettrica, abbia a malapena evitato il linciaggio, attirando su di sé le ire della comunità folk. Qualcosa di simile accadde ai Clash quando nell’anno di grazia 1979 diedero alla luce “London Calling”, album destinato a cambiare per sempre la storia della musica rock ma che fece imbestialire i vecchi fan della band, che accusarono di “tradimento ideologico” Joe Strummer e soci. All’uscita di “Kid A”, nell’ottobre del 2000, i Radiohead regalarono ai posteri uno dei dischi più influenti degli ultimi 20 anni, ma dissero per sempre addio ad una nutrita schiera di ammiratori che sperava in un “Ok Computer” atto 2°. Con il dovuto rispetto per i mostri sacri appena citati, non è azzardato affermare che simile sorte potrebbe toccare anche ad “Hysterical”, il 3° album dei Clap Your Hands Say Yeah, destinato a deludere molti degli “abitanti dell’indie-sfera”, che da quattro anni ormai attendevano con trepidazione il nuovo disco della band di Brooklyn. “Hysterical” dice addio a quasi tutte le stravaganze ed alle allegre iperboli ritmiche che hanno tratteggiato la personalità dei CYHSY, assumendo così le fattezze di un tradimento urlato senza timori in faccia a tutti i fans più ortodossi. Mentre nel frattempo piovono giù dal cielo già le prime stroncature, chi ha ancora fiducia nei CYSHY non deve far altro che ignorarle e premere play. I ragazzi sono tornati e di talento ne hanno ancora da vendere, nonostante tutto. (http://www.kalporz.com/wp/2011/10/clap-your-hands-say-yeah-hysterical-v2-music-2011/)

“Hysterical” nel complesso è però un disco solido. Non ripete l’osannato debutto (che comunque viene richiamato spesso) e non innova il genere, ma innova sicuramente il loro modo di intendere questo genere (per chi ama la divisione in generi). (http://www.indieforbunnies.com/2011/09/30/clap-your-hands-say-yeah-hysterical/)

Difficilmente i CYHSY riusciranno a scrivere una canzone con un ritornello orecchiabile e canticchiabile in due ascolti, altrettanto difficilmente in un loro disco però troverete un brano banale o scontato ed “Hysterical”, pur restando fedele al sound della band, propone una variante saltuariamente più pop che permette di renderlo davvero piacevole anche a chi la voce un po’ cantilenante del vocalist finiva per dare fastidio. Certo, manca forse l’originalità del debutto, mancano certe spigolosità che avevano fatto del 1° disco quasi un manuale di un sound bello e ricercato, ma ancora una volta i CYHSY riescono a dimostrare la capacità di scrivere dei bei pezzoni. (http://www2.troublezine.it/reviews/17384/clap-your-hands-say-yeah-hysterical)

Quattro anni e mezzo sono un’eternità, per una band di quelle nate negli anni ’00, nate dal web, per il web e con il web; e anche se con il bel “Some Loud Thunder” avevano subito messo in chiaro di non essere buoni per un solo giro di valzer, una pausa così lunga resta insolita. Ma c’è il rovescio della medaglia: se ti fermi il mondo va comunque avanti, macina tutto, e si scorda presto di chi è rimasto indietro. Disco importante quindi, questo “Hysterical”, perché frattanto ricolloca i CYHSY sulla scacchiera della musica dei nostri anni e lo fa in grande stile, con la produzione di John Congleton (che s’è occupato anche degli Okkervil River fra gli altri) a rimarcare a fondo le differenze tra il gruppo che è adesso e quello che fu. Ma intanto, dov’è finita l’attitudine da studenti della art school cresciuti a pane, Velvet Underground e Talking Heads dell’esordio? Dov’è il pop degli anni ’60 che riempiva il secondo disco? Da qualche parte saranno pure finiti, perché l’identità resta inequivocabile, foss’anche solo per la voce di Alec Ounsworth. Complice il solito discreto ondeggiare stilistico, occorre un po’ per trovare la chiave di questo disco, quindi predisponetevi ad ascolti ripetuti. Come per certi quadri, prima di cogliere la figura d’insieme vi resteranno in mente singoli dettagli, finché, superata metà scaletta, vi troverete piacevolmente sorpresi dalla qualità del songwriting. Abbastanza per rendersi conto che è meglio averli tra i piedi, i CYHSH. (http://www.sentireascoltare.com/recensione/9180/clap-your-hands-say-yeah-hysterical.html)

(cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo)

THE RAPTURE: un ritorno in gran forma ma restano un gruppo di nicchia

2011-10-30T11:37:00.005+01:00

THE RAPTURE “In The Grace Of Your Love” (2011)

… The Rapture sono ormai in giro da un bel po’ di anni! “In The Grace Of Your Love” è, dopotutto, soltanto il loro 5° disco… ma chiunque, ascoltando un qualsiasi loro vecchio album, avrebbe potuto facilmente profetizzare che questa band avrebbe potuto riscuotere in breve tempo un buon successo. Invece, a dispetto di tutti (e lo conferma anche questo lavoro), sono rimasti soltanto un gruppo di nicchia.

“In The Grace Of Your Love”, alla fin fine, è un gran bel lavoro e conferma quanto di buono si era già detto di questa band. Un ritorno in gran forma con il solito sound a base di funk, rock & dance… Ma, attenzione! Non è il solito disco fotocopia dei precedenti… che, davvero, non è cosa da Rapture! È una raccolta di brani che comunque potrebbe risultare di abbastanza difficile fruizione ad un primo distratto ascolto, ma che, pian piano, molto gradualmente, una volta entrati nel meccanismo dei ritmi Rapture, riesce a catturare e a rapire. Dopo 13 anni di attività The Rapture riescono ancora ad essere in piena eruzione musicale. Complimenti!

(Carmine Tateo - e-mail: carmine.taty@live.it)

… concludendo: Vi ricordo che testi e scelte musicali di questo particolare frammento radi@ttivo sono proprio a cura di Carmine Tateo, vi do appuntamento alla settimana prossima con un altro Disco Hot sempre da Ciccio Riccio, sempre con RADI@zioni ma sempre con Camillo Fasulo pronto a dar voce alle affermazioni del buon Carmine!… e a proposito, se volete dialogare con lui, lo potrete trovare anche su Facebook (www.facebook.com/profile.php?id=100003030496813&ref=ts)… chiedetegli amicizia!

Tracce consigliate:
IN THE GRACE OF YOUR LOVE (video http://youtu.be/0d_ijro_PPQ)

SAIL AWAY (video http://youtu.be/wlQgBZEloy4)

NEVER DIE AGAIN (video http://youtu.be/YUURBYFn9Z8)

(a cura di Camillo "RADI@zioni" Fasulo)

THE LOW ANTHEM - Un album per nostalgici sognatori in cerca di un rifugio dalla frenetica e caotica quotidianità del nostro mondo

2011-10-22T12:09:00.000+02:00

The Low Anthem “Smart Flesh” (Nonesuch, 2011) – www.thelowanthem.com

Tracklist:
1. Ghost Woman Blues (video http://youtu.be/Vpadm5i_CKU)
2. Apothecary Love (video http://youtu.be/fW3khY7Lk8g)
3. Boeing 737
4. Love And Altar
5. Matter Of Time
6. Wire
7. Burn (video http://youtu.be/eeqB3meJpxU)
8. Hey, All You Hippies
9. Ill Take Out Your Ashes
10. Golden Cattle (video http://youtu.be/o_lWVV6PtHs)
11. Smart Flesh

La musica dei Low Anthem si colloca in quella terra di mezzo tra country, folk, blues e gospel che già in passato artisti come Bob Dylan e soprattutto The Band hanno ampiamente esplorato. In effetti, a voler essere puntigliosi, in "Smart Flesh" di novità non ce ne sono. Nonostante ciò, la musica del quartetto di stanza a Providence, Rhode Island, è ben lungi dal suonare come la copia sbiadita di certi capolavori di Mr. Zimmerman o di Robbie Robertson: in queste 11 tracce, il fuoco sacro dell'ispirazione, corroborato da una creatività genuina, arde potente ed avvolge l'ascoltatore col suo calore. Le partiture composte sono percorse da una sorta di malinconico e disperato languore, che si esprime in forme umili, dimesse, in ballate che suonano desolate, essenziali, nonostante, tuttavia, esse vantino arrangiamenti finemente intarsiati, in cui il lavoro di chitarre, basso e batteria è arricchito da discreti quanto preziosi interventi di clarinetti, harmonium, organi, pianoforti, scacciapensieri, accordion, armoniche, corni, seghe musicali, nipple gong e fiddle. L'arte dei The Low Anthem è povera solo in apparenza: il suo ostentato retromodernismo è quanto di più postmoderno ci sia, giacché esso è il veicolo attraverso il quale Miller e Prystowsky (i fondatori della band) si riappropriano dello Zeitgeist, dello spirito di un'epoca (la fine degli anni Sessanta), piegandone poi il sound ad una personale rilettura, che non può ovviamente esimersi dal fare i conti con le più recenti avventure in questo campo, dai Fleet Foxes ad Iron & Wine (www.labottegadihamlin.it).

Un elemento fondamentale per capire pienamente la musica di “Smart Flesh”, che può risultare meno immediata al primo ascolto rispetto ai due dischi precedenti, è la scelta del luogo di registrazione. Tra fine 2009 ed inizio 2010, infatti, i Low Anthem si sono trasferiti in una fabbrica di conserve abbandonata da tempo ed in quegli spazi immensi e vuoti di cemento armato hanno registrato una serie di sessioni dalle quali sono derivate 7 delle 11 canzoni del nuovo album. Questa scelta di trovare un luogo in cui potere modellare un suono senza la purezza artificiale dello studio di registrazione permea l’intero disco. La fabbrica abbandonata con i suoi echi, le sue presenze misteriose di pipistrelli e fantasmi ed il freddo del cemento nell’inverno del Rhode Island non solo ha un impatto sul suono e sulle scelte di arrangiamento, ma anche sulla vena compositiva della band. Nascono quindi canzoni fortemente toccanti e avvinghiate ad una profonda malinconia, un tesoro emerso da uno scrigno senza tempo che tali rimarranno per sempre grazie alla loro assoluta e fragile bellezza (www.mescalina.it).

Dire quali siano i migliori brani di questo album è cosa ardua, e lo si era già capito ascoltando “Ghost Woman Blues”, singolo che ha anticipato l'uscita di “Smart Flesh”, in cui a farla da padrone sono pianoforte e clarinetto. C'è poi il folk solare di “Apothecary Love”, in cui il theremin gioca un ruolo fondamentale mescolato però a strumenti tipicamente folk; troviamo poi la cavalcata rock di “Boeing 737”, che sfuma nella solennità corale di “Love And Altar” e di “Golden Cattle”, per poi passare alla perfetta semplicità di “Matter Of Time” e di “Wire”, strumentale per clarinetto composto da Jocie Adams. Ci sono le malinconiche sonorità degli Appalachi in “Burn” e in “I'll Take Out Your Hashes” e un po' di anni ’50 in “Hey, All You Hippie”! E, come perfetta conclusione, c'è la magia di una ballata quale è appunto la title track “Smart Flesh”, in cui si ritrovano le atmosfere della traccia d'apertura, “Ghost Woman Blues”, come a voler chiudere un cerchio immaginario e ben costruito. Insomma, Ben Knox Miller, Jocie Adams, Jeff Prystowsky, Mat Davidson ci hanno regalato un album senza tempo, pieno di atmosfere differenti e di "echi di altri tempi e luoghi"; un album per nostalgici sognatori in cerca di un rifugio dalla frenetica e caotica quotidianità del nostro mondo (www.radiogas.it).

Rino De Cesare

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

dEUS - Con il nuovo album si torna in parte a sonorità meno ovvie, ma gli esaltanti esordi sono ormai lontanissimi

2011-10-16T12:41:00.002+02:00

dEUS “Keep You Close” (Pias, 2011) – www.deus.be

Tracklist:
1. Keep You Close (video http://youtu.be/sTD-SxLKqTQ)
2. The Final Blast
3. Dark Sets In (video http://youtu.be/dtKakPqVpNU)
4. Twice (We Survive)
5. Ghost (video http://youtu.be/nyDnekI6fJ8)
6. Constant Now
7. The End Of Romance
8. Second Nature (video http://youtu.be/X6Su2ccotOU)
9. Easy (video http://youtu.be/S3YiWReruQA)

Tornano i dEUS a tre anni di distanza da quel “Vantage Point” che fece storcere il naso ai loro fans più fedeli che vedevano in quell’album un abbandono delle sonorità tipiche della band belga capitanata da Tom Barman, in favore di sonorità più commerciali (http://www.rockshock.it/recensione-deus-keep-you-close/). Detta altrimenti, la scaletta di “Keep You Close” mette in fila nove pezzi piuttosto ispirati e ben confezionati, forse la miglior collezione dai tempi di “The Ideal Crash”. Non fa né meno né più di questo, ma lo fa piuttosto bene. D'altro canto, non possiamo esimerci dal tornare con la mente a quei dEUS che rappresentarono una possibilità di rock "diversamente indie" nei ’90s: lo spiffero nel vaso di Pandora da cui sprizzavano spiritelli zappiani, inquietudini mitteleuropee, foghe noise e allucinazioni cabarettistiche. Ecco, di quell’incredibile e indisciplinato brio, non è rimasto praticamente nulla, barattato alla pari con la padronanza dei mezzi e la lucidità calligrafica. Poco male, si sa come vanno queste cose. Sarebbe comunque intellettualmente disonesto non considerarlo un buon disco (http://www.sentireascoltare.com/recensione/9092/deus-keep-you-close.html).

Con questo album la band torna in parte a sonorità meno ovvie, senza però abbandonare le atmosfere della loro precedente produzione. La titletrack “Keep You Close”, con la quale si apre l’album, è molto interessante e presenta atmosfere molto intense (http://www.rockshock.it/recensione-deus-keep-you-close/), ma sono brani come “Dark Sets In” – con un cameo di Greg Dulli (Afghan Whigs, Twilight Singers, Gutter Twins), anche sulla seguente “Twice” – a convincere appieno, grazie a un’immediatezza tutta rock che si traduce in un bell’impatto frontale. “Keep You Close” segna la parziale ripresa di un’espressività più vicina ai canoni più tipici della band di Anversa, quella di album come “Worst Case Scenario” (1994), oppure il più delicato “In A Bar Under The Sea” (1996) (http://www.impattosonoro.it/2011/10/03/recensioni/deus-keep-you-close/). Ma messe via certe divagazioni meno strettamente legate all'ambito alt-rock, il quintetto sembra ormai voler porre un freno all'imprevedibile esplosione di colori che caratterizzava la loro musica per avvicinarsi, in un certo qual modo, ad una dimensione più definitivamente rock. Un album che consegna una band ormai consapevole dei propri mezzi e a proprio agio nel comporre sontuosi e raffinati affreschi alt-rock, ma che ha ormai perso la componente schizoide degli anni giovanili. D'altronde, se anche Thurston Moore (Sonic Youth) sembra essersi dato a chitarre acustiche e violini, perché non si dovrebbe accettare la mutazione di Tom Barman? Gli anni passano per tutti, ma i dEUS invecchiano con assoluta dignità (http://www.ondarock.it/recensioni/2011_deus.htm).

Gli ammiccamenti pop che hanno caratterizzato il precedente disco non sono stati del tutto accantonati, ma lavorano in funzione di brani più energici e dallo scheletro tipicamente rock, andando quindi a impreziosire, soprattutto per quanto riguarda la ricchezza degli arrangiamenti, il song writing astuto, divertente e anti-convenzionale, vero trademark dei dEUS. Più rilassati e orecchiabili appaiono episodi come “Ghosts” o “The Final Blast”, dove i ritmi si fanno più languidi, seguiti dalla voce soft del frontman. Discutibile invece la scelta del singolo, “Constant Now”, brano pop-rock d’ispirazione ’80s, certamente non tra i brani più riusciti e indicativi di questo lavoro (http://www.impattosonoro.it/2011/10/03/recensioni/deus-keep-you-close/). In definitiva, “Keep You Close” potrebbe anche piacere ai seguaci della prima ora, ma dovrebbe accontentare maggiormente i nuovi proseliti della band belga (http://www.rockshock.it/recensione-deus-keep-you-close/) e, sebbene non perfetto e di certo non fondamentale nel panorama indie contemporaneo, potrebbe sicuramente essere visto come l’album della personale maturità espressiva, un lavoro nel quale la sintesi fra l’espressività senza filtro degli esordi e il sound più ricercato e ragionato degli ultimi anni convivono senza scontri, ma arricchendosi, anzi, vicendevolmente, confermando quindi le indubbie qualità dei dEUS quali validi interpreti dei diversi modelli musicali che da sempre li hanno ispirati, fondendosi in un impasto sonoro sempre unico e riconoscibilissimo (http://www.impattosonoro.it/2011/10/03/recensioni/deus-keep-you-close/).

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

SCREAMING TREES - 10 piccoli gioielli fuori dal tempo per la voce di Mark Lanegan

2011-10-16T12:13:00.004+02:00

SCREAMING TREES “Last Words – The final recordings” (2011)

… Tornare indietro di 10 anni è impossibile, ma musicalmente si può fare ascoltando questa pubblicazione postuma degli Screaming Trees che cessarono la loro attività come band nell’ormai lontano 1999 (queste canzoni risalgono infatti a quell’epoca). A restituire luce a questi brani è stato il batterista (l’ex batterista di quella band) Martin Barrett, che con l’aiuto di Peter Buck (dei R.E.M.) e di Josh Homme (dei Kyuss e dei Queens Of The Stone Age) ha pensato bene di mettere in circolazione questo materiale mai edito in precedenza… dieci piccoli gioielli rock fuori dal tempo per la voce di Mark Lanegan.

Il rimpianto degli Screaming Trees è quello di non aver mai raccolto, in termini commerciali e anche di critica, quanto forse avrebbero meritato quando erano in vita. In definitiva “Last Words” non aggiunge un granché a quanto già espresso, tuttavia appare come un’operazione gradita e onesta per tutti i fans e naturalmente anche per chiunque volesse ripercorrerne la storia a ritroso. Grazie Screaming Trees!

(Carmine Tateo)

Carmine consiglia:

ASH GRAY SUNDAY (video http://youtu.be/FS26uaqvx4Y)

REFLECTIONS (video http://youtu.be/lXjLi6wwO9U)

TOMORROW CHANGES (video http://youtu.be/SukPql_3QEg)

(a cura di Camillo "RADI@zioni" Fasulo)

ANVIL - classico heavy metal schietto, diretto e ottantiano sino al midollo

2011-10-08T12:46:00.004+02:00

ANVIL “Juggernaut Of Justice” (The End, 2011) - www.anvilmetal.com

Tracklist:
1. Juggernaut Of Justice (video http://youtu.be/wADzOYyGOJY)
2. When Hell Breaks Loose (video http://youtu.be/NFHz10DjB5g)
3. New Orleans Voodoo
4. On Fire
5. Fukeneh!
6. Turn It Up
7. This Ride (video http://youtu.be/376w8skpVVg)
8. Not Afraid (video http://youtu.be/974JYR9pomM)
9. Conspiracy
10. Running
11. Paranomal
12. Swing Thing (video http://youtu.be/1BzWnW0ksGw)

Ritornano gli immarcescibili Anvil, a quattro anni dal precedente full length “This Is Thirteen” e a due dal docufilm “Story Of Anvil” che ne ha rinverdito il mito. Un mito che comunque è stato sempre piuttosto sotterraneo, anche in ambito prettamente hard’n'heavy, poiché la band canadese non ha mai raccolto quello che, probabilmente, avrebbe meritato. Ovviamente nulla è cambiato nella musica di Steve “Lips” Kudlow e Robb Reiner. Lo s’intuisce fin dal titolo, formato (come in ogni disco della band) da tre parole, la prima e l’ultima delle quali sono come di consueto contraddistinte dalla stessa iniziale. Un marchio di fabbrica che va di pari passo con il sound inamovibile dei Nostri: heavy metal di quello schietto, diretto e ottantiano sino al midollo. Beh, Credo sia tutto quel che c’è da sapere sugli Anvil. I loro pochi fans avranno di che gioire, ma anche chi è cresciuto a pane e metal dovrebbe dare una chance a questo pur ottimo disco. (www.outune.net/dischi/hard/anvil-juggernaut-of-justice/21605)

Sin dall’apertura, il disco chiarisce chiaramente qual è la direzione verso cui Lips e soci hanno deciso di marciare: riff potenti, voce sgraziata, batteria e basso che scandiscono il tempo implacabilmente. Sembra di aver messo nello stereo un album registrato negli anni ’80. Ed è proprio la title-track a dare fuoco alle polveri; la battaglia sta per iniziare e chitarra, basso e batteria vengono approntate per l’assalto; “When Hell Breaks Loose” conferma la volontà dei canadesi di non fare prigionieri. Il pezzo non concede un attimo di respiro, i nostri continuano a martellare senza pietà. (www.truemetal.it/reviews.php?op=albumreview&id=9884)

Ora, a quattro anni di distanza dal precedente "This Is Thirteen", gli Anvil ritornano in pompa magna con dodici mazzate inedite che ovviamente non cambiano di una virgola le coordinate stilistiche del loro sound. "Juggernaut of Justice" è stato registrato negli Studio 606 di Dave Grohl in California con il noto produttore Bob Marlette al timone, meritevole di aver forgiato un sound scintillante ed affilato. (metalitalia.com/album/anvil-juggernaut-of-justice/)

Ogni riff è implacabilmente etichettabile come heavy metal anni Ottanta, con qualche spruzzatina di proto-thrash e di speed (non dimentichiamo che gli Anvil, coi loro primi due album, ispirarono i maestri del thrash metal a stelle e strisce): insomma, esattamente quello che da sempre ci si aspetta da un disco di Lips e compagni. (www.rockol.it/recensione-4625/Anvil-JUGGERNAUT-OF-JUSTICE)

La title track, "When Hell Breaks Loose", "Not Afraid" e "This Ride" (quest’ultima cantata dal bassista Glenn Five) rappresentano il poker d’assi del disco: quadrati guitar riffs al granito violentati dai tipici assolo al vetriolo di Lips, sorretti dal puntuale e devastante drumming di Reiner. (http://metalitalia.com/album/anvil-juggernaut-of-justice/)

Va doverosamente sottolineato che l’ugola di Lips non è mai stata particolarmente virtuosa, ma anche in questa occasione conferma di reggere bene la prova del tempo, dimostrando a tutti che gli Anvil sono ritornati più agguerriti che mai reclamando il trono di certo metal classico che gli spetta da oramai troppo tempo. Curiosa l’idea di chiudere l’album con la divertente "Swing Thing", breve traccia strumentale nella quale il buon Reiner duella con una sezione di fiati di chiara matrice jazz. (http://metalitalia.com/album/anvil-juggernaut-of-justice/)

Cari detrattori, rassegnatevi. Questa volta gli Anvil hanno vinto e sbancato, presentandovi garbatamente il dito medio alzato e un beffardo ghigno di trionfo dipinto sul volto!

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

JONATHAN WILSON - Il suo “Gentle Spirit” è una specie di romanzo storico del folk-rock

2011-10-01T20:01:00.003+02:00

JONATHAN WILSON “Gentle Spirit” (Bella Union, 2011) www.songsofjonathanwilson.com

Tracklist:
1. Gentle Spirit (video http://youtu.be/oiNv8XRpZ-8)
2. Can We Really Party Today?
3. Desert Raven
4. Canyon In The Rain
5. Natural Rhapsody (video http://youtu.be/lQvE1Vs5Bps)
6. Ballad Of The Pines
7. The Way I Feel
8. Don’t Give Your Heart To A Rambler
9. Woe Is Me
10. Waters Down
11. Rolling Universe
12. Magic Everywhere
13. Valley Of The Silver Moon

Il firmamento roots americano s’arricchisce quest’anno di una nuova stella: Jonathan Wilson. A molti di voi questo nome non dirà niente, eppure il songwriter nativo di Forest City, North Carolina, proprio uno sconosciuto non è. Malgrado la sua giovane età (37 anni), ha già svolto un’intensa attività di produttore, lavorando, tra gli altri, con gente del calibro di Elvis Costello, Erykah Badu, Josh Tillman (batterista dei Fleet Foxes), Will Oldham e Robbie Robertson. Il balzo dall’altra parte della barricata, per così dire, il nostro l’aveva in effetti già tentato un paio di volte: la prima come leader dei Muscadine, coi quali aveva pubblicato, nel lontano 1998, “The Ballad of Hope Nichols”, passato sotto silenzio; la seconda come solista, con quel “Frankie Ray” che, ultimato nel 2007, non ha però mai visto la luce. “Gentle Spirit” è dunque, a tutti gli effetti, il suo debutto, ed è, tanto per esser chiari, un signor album. Le tredici tracce fondono in maniera equilibrata e sapiente country, folk, blues e psichedelica: le raffinate trame intessute da basso, batteria, organo e chitarre, con l’aggiunta di qualche spruzzo d’elettronica, rimandano agli spazi assolati del Laurel Caynon, uno dei santuari della controcultura hippie anni ’60. Registrato interamente in analogico con una consolle del 1972 e concepito essenzialmente per il vinile (a detta di Wilson, qui anche produttore, «l’unico formato che abbia un significativo valore»), “Gentle Spirit” è uno di quei dischi che non si dimenticano facilmente, opera di un artista nel pieno della sua maturità espressiva, capace di incantare con la purezza e la semplicità che sono prerogative dei grandi. (www.labottegadihamlin.it)

“Gentle Spirit” è una specie di romanzo storico del folk-rock, nel quale dall’inizio alla fine si avverte forte la presenza dello spettro inquieto di Neil Young, del Neil Young che quarant’anni fa forgiava i suoi capolavori da country-man baciato dalla grazia degli dei del rock and roll. Gli arrangiamenti, il songwriting, la voce, tutto rimanda al vecchio campione canadese. E poi - come se quando si parla di un disco fossero sempre l’ultima delle cose - le canzoni. Tutte belle. Il registro più o meno è sempre lo stesso, bucolico e lirico, i canoni non saltano mai, il discorso iniziato con la lieve e melodiosa title track non si interrompe fino alla fine. Ascoltatelo con gusto, senza domandarvi troppe cose: ascoltate gli echi vagamente elliottsmithiani di “Can We Really Party Today”, il fingerpicking di “Ballad Of The Pines”, l’onda psichedelica di “The Way I Feel” e quella di “Woe Is Me”. Se vi piace giocare, semmai, stupitevi un po’ a riconoscere in “Natural History” certe trame sottili della “Subterranean Homesick Alien” dei Radiohead: è curioso, ma ci sono. La chiusura, poi, è davvero sontuosa. Prima “Magic Everywhere”, younghiana e romantica, il pezzo con le possibilità più alte di rimanervi in testa per qualche buon tempo. Poi la lisergica “Valley Of The Silver Moon”, lunghissima e lenta cavalcata finale nel cuore del West, sussurrata come e più di tutte le altre: un’esperienza tra veglia e sogno che porta su un terreno disseminato di memorie rarefatte e magiche ombre da sfiorare e lasciarsi dietro con rimpianto o quieta rassegnazione. (www.ondarock.it)
Rino De Cesare

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

KAISER CHIEFS: electro-indie-rock di pregevole fattura!

2011-09-24T18:26:00.002+02:00

KAISER CHIEFS “The Future Is Medieval” (Universal Records, 2011) – www.kaiserchiefs.com

Tracklist:
1. Little Shocks (video http://youtu.be/oX3yfldi7Zg)
2. Things Change
3. Long Way From Celebrating
4. Starts With Nothing
5. Out Of Focus (video http://youtu.be/SIzNijJXbmY)
6. Dead Or In Serious Trouble
7. When All Is Quiet
8. Kinda Girl You Are
9. Man On Mars
10. Child Of The Jago (video http://youtu.be/xRTDajoiVx0)
11. Heard It Break
12. Coming Up For Air
13. If You Will Have Me (video http://youtu.be/pmJO13y2s-g)

I Radiohead hanno fatto scuola! Da qualche tempo è gara aperta tra chi si ingegna con la forma più originale e inconsueta di vendita online della propria musica. Rischiano seriamente di portare a casa l’alloro gli ormai veterani Kaiser Chiefs, sopravvissuti, non senza acciacchi, alle alterne vicende della moda musicale britannica, e che, per il loro quarto album, “The Future Is Medieval”, ne hanno pensata una davvero bella: mettere a disposizione dei fans un pacchetto di canzoni con le quali compilare una propria versione personalizzata del disco (comprensiva di copertina a scelta). Si possono selezionare dal sito ufficiale della band al massimo 10 pezzi tra i 20 disponibili, realizzando così un possibile assemblaggio, tipo puzzle, di “The Future Is Medieval”, che altri utenti potranno a loro volta acquistare, facendo guadagnare al compilatore una sterlina per ogni “copia” smerciata. Laborioso e molto inglese, senza dubbio, eppure efficacissimo per sollevare qualche chiacchiera strategica sul nome della band. Il che, concorderete, non guasta mai di questi tempi. Certo, se poi le canzoni non fossero dotate di una buona qualità, tutta l’idea andrebbe a farsi benedire. Per fortuna dei Kaiser Chiefs (e del loro pubblico) invece, Ricky Wilson e soci mostrano una buona forma complessiva e consolidano il proprio ruolo di band che senz’altro non cambierà la storia della musica, ma che si sa esprimere in maniera fresca e coinvolgente. (http://www.ondarock.it/recensioni/2011_kaiserchiefs.htm)

I Kaiser Chiefs balzarono agli onori della cronaca nel 2005 pubblicando l’interessantissimo “Employment”, piccola gemma “indie” contenente singoli di successo ad alto tasso danzereccio quali “Oh My God”,”I Predict a Riot” e “Everyday I Love You Less and Less”, risultando un disco, sì acerbo ed imperfetto, ma colmo di energia e spontaneità. Due anni più tardi ecco “Yours Truly, Angry Mob”, album che segna l’evoluzione della band verso un sound più maturo e ricercato, meno dedito all’elettronica facilona e più concentrato sul vecchio 60’s rock già rievocato dai colleghi Franz Ferdinand. Il disco fu snobbato dai più, ma tracce come “Ruby”, “The Angry Mob”e “Learnt My Lesson Well” restano ancora oggi piccoli gioielli. Il successivo “Off With Their Heads” segna il primo passaggio a vuoto nella giovane carriera dei Chiefs. Nel 2011 tentano il rilancio inventandosi quell’intrigante stratagemma di cui vi dicevo prima: pubblicare online le 20 canzoni composte per il nuovo album permettendo ai fans di acquistarne soltanto 10 scegliendo tra le favorite, nell’ordine preferito e realizzandone perfino l’artwork…

Il gruppo di Leeds (il cui nome deriva dalla prima squadra di calcio dell’ex capitano del Leeds United, il sudafricano Radebe) è oggi uno dei totem dell’indie rock inglese. “The Future is Medieval” (titolo non dei più ottimisti, per la verità) è una vera e propria esposizione di electro-indie-rock di pregevole fattura. La formula è rimasta invariata e il sound è quello caratteristico del quintetto britannico, pur con un deciso e talvolta eccessivo ricorso all’elettronica, tanto che le tipiche sonorità pop-rock hanno sempre meno echi dagli anni ’60/’70 e sempre più richiami agli ’80 più commerciali. Produzione pulita e cristallina, refrain accattivanti (ma talvolta decisamente ruffiani) e capacità di essere diretti e decisi. I Kaiser Chiefs non perdono la voglia di far saltellare il proprio pubblico e, in questo senso, raggiungono ancora lo scopo. Il problema finale di “The Future is Medieval” è che anche nella versione ufficiale con sole 13 tracce, messa regolarmente in commercio tramite i tradizionali canali di distribuzione, la qualità media resta buona, ma non si registrano picchi o acuti particolari restando a metà strada tra Maximo Park e Franz Ferdinand e con decisi cenni ai maestri dell’elettronica Depeche Mode. (http://www.storiadellamusica.it/Kaiser_Chiefs_-_The_Future_Is_Medieval_(Universal_Musics-Fiction-Polydor-,_2011).p0-r4204)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

JOE LALLY: stile e grinta da vendere col suo 3° disco solista post Fugazi.

2011-09-24T18:11:00.004+02:00

JOE LALLY “Why should I get used to it” (2011)

Ormai romano d’adozione (è infatti sposato con un’italiana e vive nella capitale) l’ex Fugazi ogni tanto si chiude in sala di registrazione con un paio di amici e sforna un album (ormai per lui una consuetudine) minimale ma elegante e intimo che fa della sua semplicità l’arma vincente anche se Joe sente la mancanza dei suoi Fugazi e la 1^ traccia ci pare eloquente in questo senso!

“Why should I get used to it” è il 3° album da solo per Joe Lally, ma è di gran lunga superiore ai suoi precedenti essendo più vario e creativo. Basso e batteria la fanno da padroni seguendo negli assoli evidenti linee jazz. Alla fine il lavoro sembra suonato da una band vecchio stampo, e invece è un disco nato in pochissimi giorni e quasi suonato in presa diretta… Insomma, dovremo proprio abituarci ad un mondo senza Fugazi…

(Carmine Tateo – carmine.taty@live.it

http://youtu.be/FZpEgaOeSS8

http://youtu.be/HXG56yuOYSQ
http://youtu.be/dmfCm-85i18

(a cura di Camillo "RADI@zioni" Fasulo)

KITTY, DAISY & LEWIS: tre giovani splendidamente fuori moda e fedelmente innamorati di vecchie canzoni scricchiolanti

2011-09-18T14:34:00.001+02:00

KITTY, DAISY & LEWIS “Smoking in heaven” (2011)

… E fu così che arrivò il disco della consacrazione per i fratelli Durham. Laciato da parte il filone Winehouse/Von Teese al quale si erano accodati, la “band”, tra virgolette, vuol dimostrare con questo 3° lavoro che è ormai diventata grande. Beh, l’operazione è perfettamente riuscita…

“Smoking in heaven”, tra rockabilly e rock steady, realizzato interamente nel garage dei Durham con un piccolo registratore multi-traccia ed una serie di apparecchiature analogiche assai vintage, riproduce quel tipico sound anni ’50 e ’60 che loro desideravano. Questo è un album che si può tranquillamente ascoltare ad una festa ma che è capace di riservare anche delle sorprese nell’ascolto solitario. Difficile non rimanere soggiogati dal sound di Kitty, Daisy & Lewis!

(Carmine Tateo – carmine.taty@live.it )

Smoking in heaven (video http://youtu.be/aISmjGm-pxc)

(a cura di Camillo “RADI@zioni” Fasulo)

LENNY KRAVITZ: il nuovo album omaggia le radici della black music

2011-09-18T12:04:00.011+02:00

LENNY KRAVITZ “Black And White America” (Roadrunner, 2011) - www.lennykravitz.com

Tracklist:

Black and white America (video http://youtu.be/NuMOVXfEbL4)

Come on get it

In the black

Liquid Jesus

Rock star city life

Boongie drop

Stand

Superlove

Everything (video http://youtu.be/LUPtATH8DrQ)

I can’t be without you

Looking back on love (video http://youtu.be/N0cjxvbmYGg)

Life ain’t ever better than it is now (video http://youtu.be/G84NDlLBf5w)

The faith of a child

Sunflower

Dream

Push

Improbabili ed inattese nuove da Lenny Kravitz: “Black And White America” è un buon disco, anzi, è il migliore da molti anni a questa parte! Folgorato da un documentario in cui bianchi conservatori dichiaravano di voler tornare ad un’America arcaica, inneggiando alla supremazia della propria razza, Lenny riscopre e rivendica le proprie radici sociali e musicali. Da questo punto di vista già l’artwork scelto lascia spazio a poche interpretazioni: ricordi com’eravamo e da dove veniamo? Ricordi quanto abbiamo lottato per l’uguaglianza? Come a dire: il percorso non finisce con l’elezione di Obama. Stupisce piacevolmente tutta questa enfasi da parte di un artista che negli ultimi dieci anni aveva preso l’andazzo di piazzare singoli ottimi solo per l’airplay commerciale, di posare per servizi di moda,apparire ovunque tanto da far pensare che potesse esistere un Lenny Kravitz indipendentemente dalla musica. “Black And White America” ha il pregio di riportare finalmente in primo piano il suono: il risultato è un disco lungo (ben 16 brani), a fuoco e a tratti adrenalinico, che omaggia le radici della black music e, nella sua varietà di stili, cerca di riscoprire il funk nella sua originaria accezione di musica di protesta. (www.nonsiamodiqui.it)

Il bell’ombroso artista newyorkese odia i ripescaggi di marchi o fuoriuscite striminzite di falsi e iconoclastici materiali da esibire tra un disco e l’altro, il fil rouge che lega ombelicalmente Kravitz, il mondo e un jack accalorato è il funk e le cose dette/cantate con l’onestà e l’attenzione che questa musica sobilla, inneggia, mandando in calore anime e corpi: questo disco di tale propulsione n’è stracolmo come un fiume che si getta angelicamente giù per una cascata complice; evoluta e particolarmente distanziata la forma elettrica beatamente aggressiva dei precedenti lavori discografici e un forte attracco alla musica della sua pelle, al soul, alla colonna sonora della sua razza ed il relativo meltin-pot culturale e sociale che Kravitz riscopre come originale di una partitura da mettere in mostra tra ragione e realtà. Lenny si riprende il suo sincopato e avvolgente mondo fatto di contrappunti e slapping di bassi che tolgono il respiro (“Life ain’t never been than it is now”), addenta l’R&B e lo porta a volare alto con la bella compagnia di Jay-Z e DJ Military (“Boongie drop”), più sopra si snoda in un disco-funk ammaliato da un barrito brass di tromba che pare strattonarti e gettarti in pista per ancheggiare gioiosamente (“Black and white America”), più al centro gli anni ottanta dello Studio 54 (“Superlove”) con l’ombra di Marvin Gaye che luccica in “Liquid Jesus”, quasi il seguito della mitica “Sexual healing”. I giochi sono fatti e un nuovo Kravitz è servito, un bel momento di moderne roots ballabili che portano fresco in questa arsura di fine estate, una colonna sonora perfetta per un settembre già inoltrato, scritta, suonata ed interpretata da un campione che da sempre mixa bianco e nero in un’America ancora riottosa al miscuglio grigio del derivativo che ne verrebbe fuori. (www.stordisco.blogspot.com)
(Rino De Cesare)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive, Mimmo Saponaro e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it.

VIOLA DI GRADO - Autentica rivelazione letteraria con il suo romanzo d'esordio "Settanta Acrilico Trenta Lana"

2011-09-14T23:33:00.008+02:00

Viola Di Grado - "Settanta acrilico trenta lana" - 189 pagg. (Edizioni E/O, 2011).

Radi@zioni non è soltanto voglia di proporre e condividere tanta buona musica, non stiamo qua a ricordarlo. Intendevamo per questo sottoporre alla vostra attenzione un buon libro che ci è capitato sotto gli occhi proprio in questi giorni e lo vogliamo fare attraverso le parole “carpite” dalla rete, alla ricerca di un riscontro allineato alle nostre impressioni:

«“Settanta acrilico trenta lana” è il romanzo di un’esordiente 23enne catanese, Viola Di Grado, nella quale la casa editrice E/O dimostra di credere davvero molto. Laureata in lingue orientali a Torino, Viola Di Grado ha fatto l'Erasmus a Leeds, poi ha viaggiato in Giappone e in Cina, e ora si sta specializzando in filosofia cinese a Londra. Questo romanzo lo ha finito di scrivere due anni fa, quando di anni ne aveva ventuno. Eppure “Settanta acrilico trenta lana” dimostra un’originalità e una maturità di lingua e contenuti davvero rara per una scrittrice della sua età. Definita "dark come Amélie Nothomb e letteraria come Elena Ferrante", Viola Di Grado costruisce il suo romanzo sulla lingua, attraverso iperboli, sinestesie, allitterazioni, parole che dipingono una natura al neon, di plastica, - acrilica, appunto -, sezionando lo spazio ovattato di questa Leeds letteraria come con un bisturi. Una lingua che taglia e squarcia la pagina, come se fosse un fiore o un vestito. Parole che coniugano esperienza corporea ed estetica, che si collocano esattamente sulla pagina come ideogrammi inscritti nel loro quadrato ideale. Parole che contraddicono la sterilità dell'esperienza depressiva, debordano fuori dal tracciato, si scompongono, si mescolano, si uniscono: chiavi di volta, parole che si fanno carne e riempiono lo spazio, parole che significano sempre qualcosa di più della loro forma. Una lingua cesellata come una porcellana orientale, eppure sfrontata e insolente come quella che solo a vent'anni si può avere. “Settanta acrilico trenta lana” è romanzo di una bellezza straziata, di una vita persa, ritrovata, persa di nuovo - ciclica, come un buco -, di una vita che muore ogni giorno e ogni giorno risorge, per lanciare una provocazione alle nostre candide esistenze.»
(Sandra Bardotti, da www.wuz.it/recensione-libro/5506/settanta-acrilico-trenta-lana-viola-grado.html).

Aver avuto l’opportunità di assistere nei giorni scorsi, al “Festivaletteratura” di Mantova, alla presentazione del succitato romanzo e ad una sua breve riduzione teatrale dal titolo “Il suono di uno sguardo” che ha coinvolto l’autrice nel ruolo della protagonista del suo stesso romanzo, con il commento sonoro in diretta dal vivo organizzato da Ares Tavolazzi (apprezzato bassista e contrabbassista d’estrazione jazz, ex componente degli Area, la storica rock band italiana guidata negli anni ’70 dall’indimenticabile Demetrio Stratos) e con l’allestimento della P.O.P. Produzioni sulle rive del Lago di Mezzo di Mantova, è stata un’esperienza profonda ed emozionalmente toccante!

(a cura di Camillo "RADI@zioni" Fasulo)

BLACK COUNTRY COMMUNION - I magnifici 4 raddoppiano con un potente nuovo album di "vecchio" hard rock

2011-09-10T08:13:00.003+02:00

BLACK COUNTRY COMMUNION “2” (Mascot Records, 2011) - www.bccommunion.com

Tracklist:
01. The Outsider
02. Man In The Middle
03. The Battle For Hadrian's Wall
04. Save Me
05. Smokestack Woman
06. Faithless
07. An Ordinary Son
08. I Can See Your Spirit
09. Little Secret
10. Crossfire
11. Cold

A poco più di un anno dalla prima uscita, i Black Country Communion raddoppiano con un nuovo lavoro, ancor più potente e roccioso del suo predecessore. Se due prove fanno una certezza, i BCC si fanno portabandiera del suono anglosassone inventato dai Deep Purple quando nell’arco di due stagioni (dal 1970 al 1972) fecero conoscere la potenza dell’hard rock in tutto il mondo. La direzione dei BCC, in quest’ottica, è chiarissima, rispolverare l’hard rock (abbellito da sferzate blues) con orgoglio, classe e sicuramente un po’ di sfacciataggine, visto il ritorno di tali sonorità tra gli appassionati. Anche se nel complesso il songwriting non eccelle, come spesso accade in questi frangenti, ci pensa la classe suprema dei magnifici quattro a risollevare le sorti, cosa davvero di non poco conto. (http://www.metallus.it/recensioni/black-country-communion-2/)

Parlare dei BCC equivale a parlare della storia del rock. Se la band in sé è relativamente giovane, visto che è stata fondata nel 2010, la sorpresa si nasconde, come dire, dietro le quinte. Sotto questo enigmatica ragione sociale troviamo, infatti, Glenn Hughes, che ha scritto importanti pagine musicali militando anche nei Deep Purple nella duplice veste di bassista e cantante (nella terza fase della carriera della band). Accanto a lui troviamo un figlio d’arte, Jason Bonham, figlio del mitico Bonzo, compianto batterista dei Led Zeppelin. Nomi decisamente altisonanti, cui si aggiungono Derek Sherinian alle tastiere, un globetrotter del rock che ha collaborato davvero con tutti (ma rimarrà per sempre l’ex tastierista dei Dream Theater), e Joe Bonamassa alle chitarre, vera e propria istituzione del blues rock. Beh, se siete ancora vivi dopo aver letto questi nomi, sappiate che i BCC avevano fatto gridare al miracolo, già poco più di un anno fa, con il loro omonimo album di debutto, un vero e proprio concentrato di rock anni ’70, blues e atmosfere ispirate e trascinanti. Salutati come la salvezza del vero rock, tornano ora con un secondo album, intitolato appunto “2”, che risulta addirittura migliore del precedente. Di solito c’è un certo scetticismo intorno alle super band formate da componenti di altri gruppi famosi, soprattutto quando il background è così variegato, come in questo caso. Anche il più critico degli ascoltatori si è però ricreduto dopo le prime note di “2”, che sprizza ispirazione da tutti i pori. Nei solchi digitali di questo album troverete null’altro che del sano rock, scritto e suonato da gente ormai rodata e che sa benissimo quali corde toccare per esaltare ed emozionare. La voce di Glenn Hughes, poi, sembra magicamente rimasta ai tempi di “Burn” dei Deep Purple, e stiamo parlando di metà anni ’70. Tutto è perfetto in “2”, e speriamo proprio che i BCC continuino a sfornare cd con questa continuità. (http://www.qnm.it/intrattenimento/black-country-communion-2-nuovo-album-del-supergruppo-video-post-34003.html)

Glenn Hughes, Joe Bonamassa, Derek Sherinian e Jason Bonham offrono nuova manna per tutti coloro che non riescono a fare a meno di questi suoni.

Due battute, infine, su alcune gemme che potrete ascoltare da “2”: “The Outsider” ospita un infuocato duello tra Joe Bonamassa e Derek Sherinian proprio come accadeva tra Ritchie Blackmore e Jon Lord nella notte dei tempi; “The Battle For Hadrian’s Wall”, cantata da Bonamassa, è un riuscitissimo brano pregno di atmosfere folk celtiche, che rimandano ai Led Zeppelin senza copiarne vuotamente l’approccio. Ottimo davvero! “An Ordinary Son”, buonissimo hard rock blues di matrice Bad Company, nella sua semplicità si rivela uno degli episodi meglio riusciti del disco, con uno Hughes assoluto protagonista e con atmosfere meravigliose che oggi in pochissimi sanno ricreare con credibilità. “Crossfire” è ancora grande hard rock, con un refrain semplicemente perfetto. Ma la vera bomba, l’apice del disco, si raggiunge con la conclusiva, strepitosa “Cold”, una canzone che giustifica la fiducia riposta in questo straordinario gruppo di musicisti, capaci di tirare fuori il capolavoro quando ormai sembravamo rassegnati ad accettare un ottimo disco di genere e niente più. D’altra parte, canzoni come queste le sentirete solo da loro. A voi la scelta! (http://www.metallized.it/recensione.php?id=5499)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it

GOMEZ - Indie-pop perfetto per un mondo perfetto!

2011-09-03T18:18:00.001+02:00

GOMEZ – “Whatever’s On Your Mind” (Ato Records, 2011) - www.gomeztheband.com

Tracklist:
01. Options (video)
02. I Will Take You There
03. Whatever’s On Your Mind (video)
04. Just As Lost As You
05. The Place And The People (video)
06. Our Goodbye (video)
07. Song In My Heart
08. Equalize
09. That Wolf
10. X-Rays (video)

I Gomez non hanno bisogno di particolari presentazioni o approfondimenti. Il loro genio musicale circola da ben 13 anni, e la loro bravura, con questo nuovo lavoro, non viene assolutamente smentita. La loro musica è sempre stata sviluppata in una sorta di cantiere musicale, un “work in progress” in continua evoluzione. Il quintetto di Southport (GB) è stato capace di inventare un proprio stile che ha sempre funzionato ed al quale non ha mai rinunciato continuando, anche con questo “Whatever’s On Your Mind”, a creare sperimentando nuove lezioni di forma e di eleganza.

Per i Gomez funziona in questo modo: Ian Ball vive a Los Angeles, Olly Peacock a Brooklyn, mentre Paul Blackburn, Tom Gray e Ben Ottewell sono rimasti a Brighton, in Inghilterra. A dividerli ci sono migliaia di chilometri, tre fusi orari e un oceano, eppure, con alti e bassi, continuano a pubblicare dischi come se niente fosse. Il nuovo “Whatever’s On Your Mind” - se escludiamo un live e una raccolta - è addirittura l’ottavo. Com’è possibile? In termini pratici la faccenda è quasi stravagante. Invece di stare insieme per scrivere e registrare, come quasi tutte le band di questo mondo, i Gomez, vista la distanza che li separa, hanno pensato bene di risolvere il problema linkandosi l’uno con l’altro, costantemente on line. In altre parole si sono creati una connessione “privata” per potersi scambiare in tempo reale i demo fatti in casa a chilometri di distanza: ognuno ha un certo numero di canzoni da fornire ogni settimana agli altri membri della band e questi sono liberi di metterci mano come meglio credono prima di condividere nuovamente il lavoro. Il risultato? Per “Whatever’s On Your Mind” i Nostri hanno pescato dieci pezzi da un totale disponibile di più di cinquanta, scritti nel giro di due anni. Si sono presi venti giorni per sistemarli (questa volta fisicamente insieme in uno studio a Charlottesville, in Virginia, in due sessioni da dieci giorni l’una), hanno invitato Luke Steele degli Empire Of The Sun e Stuart Bogie (già al lavoro con i Tv On The Radio) a dare un contributo strumentale, e infine si sono rivolti a Sam Farrar (bassista dei Phantom Planet e “fine conoscitore” del catalogo Gomez) per dare un senso compiuto al tutto. Più che un produttore, praticamente un editor. Arrivati a questo punto, c’è da chiedersi quanto tutto questo “movimento” possa aver inciso effettivamente sul disco. “Whatever’s On Your Mind” con i suoi trentotto minuti scarsi è il lavoro più breve dei Gomez. Eppure, incredibilmente, c’è tutto. Ci sono i pezzi tradizionali in tipico “Gomez style”, l’opening “Options”, “I Will Take You There”, “Just As Lost As You” e “Equalize” che non aggiungono molto a quanto già detto con i precedenti lavori, ma che si lasciano comunque ascoltare sempre con piacere. Ci sono le ballatone che hanno fatto e continuano a fare la fortuna dei cinque inglesi (davvero imbattibili in questo senso), vedi l’azzeccatissima titletrack e la perfetta (niente di meno) “Our Goodbye”. E c’è spazio anche per qualche esperimento elettronico riuscito un po’ a metà, tipo “That Wolf”, “Song In My Heart” e “The Place And The People” (con un interessante crescendo quasi “coldplayiano”). Ottima invece la chiusura quasi alternative con “X-Rays”, un pezzo che richiede qualche ascolto extra per essere debitamente assimilato, perché più spigoloso, stratificato e aggressivo rispetto al resto del disco, ma proprio per questo indubbiamente più interessante e ricco. (www.rockol.it/recensione-4661/Gomez-WHATEVER-S-ON-YOUR-MIND)

In un mondo perfetto, il pop sarebbe come il nuovo disco dei Gomez: belle melodie, arrangiamenti curati, sonorità morbide ma con anima rock e una poco appariscente ma riuscita sintesi tra generi diversi. “Whatevers On Your Mind” è un signor album, che soddisferà i fans storici della band e soprattutto piacerà a chiunque non li conosca ma sia dotato di un minimo di sensibilità e di buon gusto musicale. Inevitabilmente uno dei dischi estivi che ascolteremo di più anche per il prossimo imminente autunno. (www.therocksuckers.com/?p=2590)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

“RADI@zioni” è un programma curato da Camillo Fasulo, Marco Greco, Antonio Marra e Angelo De Luca, con la radi@ttiva collaborazione di Rino De Cesare, Angelo Olive e Carmine Tateo, in onda tutti i lunedì e venerdì tra le ore 22 e le 24 sull’emittente radiofonica Ciccio Riccio di Brindisi – www.ciccioriccio.it

Il nuovo libro di Mino Pica: menù semiserio o (s)canzonato da consultarsi prima di affrontare esperienze di vita quotidiana

2011-08-28T17:41:00.010+02:00

MINO PICA “Cucina interiore” (Lupo Editore, 2011)

Manuale che può leggersi come un vero e proprio “menù semiserio o (s)canzonato” a cui non fa difetto l’originalità e che può offrire spunti per sviluppare concetti in qualche modo innovativi. Spunti che potrebbero trovar miglior applicazione se il lettore li assocerà alle mirate scelte musicali consigliate dall’autore. Un’opera che, credetemi, vale la pena avere nella propria biblioteca. L’equivalente di un presidio medico di primo soccorso. Mino Pica espone in pratica quelle che potrebbero essere adottate come tecniche di rilassamento prima di affrontare esperienze di vita quotidiana. In definitiva: una lettura gradevole e “leggera”, ricca di curiosi consigli di vita, oltre che di precetti di tecnica per imparare a muoversi senza paura tra gli ostacoli veri o presunti che la vita ci appronta giorno dopo giorno. Ma il contributo più originale riguarda, secondo me, le informazioni di utilizzo: quel “non agitarsi prima dell’uso” indicato nelle indicazioni d’impiego del prodotto lo trovo semplicemente “geniale”...
(Camillo “RADI@zioni” Fasulo)

CRISTINA DONA' tra racconti di quotidianità, lieve ironia e caleidoscopiche sonorità

2011-08-28T12:40:00.002+02:00

Cristina Donà “Torno a casa a piedi” (EMI, 2011) - www.cristinadona.it

Tracklist:
Miracoli
Un esercito di alberi
In un soffio
Giapponese (L'arte di arrivare a fine mese)
Più forte del fuoco
Aquilone
Torno a casa a piedi
Bimbo dal sonno leggero
Tutti che sanno cosa dire
Lettera a mano

C’è una piccola parte di popolazione italiana che al termine “cantantessa” non associa Carmen Consoli. Così come alla definizione “voce raffinata” non prende neanche in considerazione i gemiti di Malika Ayane. É la stessa parte di popolazione per la quale la perdurante assenza di Cristina Donà dai circuiti mainstream rimane uno dei misteri discografici d’Italia. Sono passati quattordici anni da “Tregua”, lo splendido esordio della cantautrice di Rho. Era il 1997, annus mirabilis per il rock indipendente italiano. Prodotto e arrangiato da Manuel Agnelli, l’album vantava un suono crudo e sanguigno, meravigliosamente in contrasto con la delicata e al contempo potente voce della Donà. Da lì, attraverso le prestigiose collaborazioni con Sua Maestà Robert Wyatt e Davey Ray Moor dei Cousteau, una serie di bellissimi album e una continua ricerca sonora, segno di grande intelligenza artistica: dalla leggera malinconia di “Nido” alle atmosfere più notturne di “Dove sei tu”, fino ad arrivare alla delicatezza de “La quinta stagione”. Dopo quattro anni Cristina Donà riprende il suo percorso musicale, e giunge ad una maturità compositiva tale da potersi permettere di spaziare all’interno di stili diversissimi, mantenendo sempre un’impronta fortemente personale. Così, da un vortice di colori acquarellati, ha preso vita “Torno a casa a piedi”, evoluzione di alcune suggestioni dell’album precedente, tra racconti di quotidianità, lieve ironia e caleidoscopiche sonorità. (www.shiverwebzine.com)

Cristina Donà nella sua carriera ha sempre amato le sfide e i cambiamenti, pur all’interno di un discorso musicale assolutamente coerente e ben definito. “Torno a casa a piedi” è una di queste sfide, un disco che porta con sé diverse novità sia dal punto di vista dei testi che da quello musicale. A livello testuale a prevalere in più di un episodio è infatti un approccio narrativo, specialmente nella title-track e “In un soffio”, abbastanza raro da trovare fin qui nella produzione della cantautrice, solitamente più incline a descrizioni e riflessioni; a livello sonoro c’è invece un’evoluzione che rappresenta quasi un’antitesi rispetto alle ultime prove, “La quinta stagione” e “Piccola faccia”, dove si lavorava per sottrazione. In quest’occasione infatti Cristina ha scelto per la produzione Saverio Lanza, compositore e musicista con un bagaglio di esperienze che spaziano tra i generi più vari, col risultato di ampliare lo spettro sonoro. Un esempio è il singolo apripista, “Miracoli”, con i suoi arrangiamenti bandistici con fiati in bella vista (e uno sguardo agli anni ’60 di Mina) e il suo messaggio più che positivo, nell’attesa che venga davvero una rivoluzione; un altro può essere “Giapponese”, che nelle tre strofe sperimenta strumenti e suoni sempre diversi, senza per questo rinunciare a un’elegante fruibilità pop, oppure “Tutti che sanno cosa dire”, dove a emergere è un noise-rock diretto discendente degli anni ’90, con la chitarra elettrica a condurre le danze fino alla coda con tanto di assolo effettato. (www.indie-eye.it)

“Torno A Casa A Piedi” è un disco intriso di contagiosa felicità, una cornice sonora ideale in cui inquadrare piccoli frammenti di magica quotidianità, narrando dell’importanza dei gesti semplici ma sinceri, della sovversiva bellezza della lentezza che consente di apprezzare meglio certi dettagli, dell’amore che arriva, quello che esplode dentro come una preghiera, e di quello che se ne torna a casa a piedi. Oppure di quello totalizzante, “Più Forte Del Fuoco”, il brano scritto per la piccola Olivia Fabi che non c’è più, in cui si può ascoltare, forse, il verso più bello di tutto l’album (“chi ha già provato le ortiche riconosce la seta”). Ma è davvero difficile scegliere tra le splendide liriche della Donà, proposte come sempre da quella voce dilatata e sospesa che ci si aggancia al cuore e non lo molla più. È un inno alla vita questo “tornare a casa a piedi”, un riappropriarsi di sé, dei propri tempi e dei propri spazi, un girovagare a zonzo per la città, un invito ad uscire dalle proprie solitudini ed a guardare negli occhi le proprie inquietudini. Perché leggerezza non è necessariamente sinonimo di banalità. E perché, a volte, i “Miracoli” possono anche succedere! (www.rockshock.it)

(Rino De Cesare)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

ARCHITECTURE IN HELSINKI: scintillante bigiotteria dal dancefloor anni ’80

2011-08-28T12:08:00.001+02:00

ARCHITECTURE IN HELSINKI “Moment Bends” (2011)

Tornano a farsi sentire, dopo ben 4 anni di silenzio, gli australiani Architecture In Helsinki (il nome non inganni, non vengono dalla Finlandia!).

Assurti ormai al livello di band di culto per la loro particolare attitudine pop-sperimentale, ora rieccoli qui con un nuovo cd che evidenzia una conversione (definitiva? Non si sa!) ad un pop più sintetico farcito da effetti elettronici e voci distorte in delay tali da lasciare di stucco i vecchi fans…

Traccia dopo traccia ci si trova davanti a tutti quei piccoli tesori di scintillante bigiotteria che la risacca dell’ondata dancefloor anni ’80 ha lasciato sul bagnasciuga a beneficio di chi si è trattenuto in spiaggia in vista del prossimo party e non solo! Come dire? Ci sono nuovi fans in arrivo per loro! Lasciatevi rapire anche voi dalla freschezza delle melodie degli Architecture In Helsinki! “Moment bends” è stato uno dei dischi più ballati dell’estate 2011… e lo sarà anche per l’autunno.

(A cura di Carmine Tateo, carmine.taty@live.it)

RIVAL SONS - Veloci e dritti contro il sole

2011-08-19T17:21:00.000+02:00

RIVAL SONS “Pressure & Time” (Earache, 2011) - www.rivalsons.com

Tracklist:

1. All Over The Road
2. Young Love
3. Pressure and Time
4. Only One
5. Get Mine
6. Burn Down Los Angeles
7. Save Me
8. Gypsy Heart
9. White Noise
10. Face of Light

È diventata una questione di vita o di morte, quella di trovare assolutamente gli eredi di chi ha fatto grande il rock negli anni ’70. Una missione quasi utopica che le case discografiche sembra vogliano intraprendere a suon di contratti e lanci promozionali con paragoni pesantissimi, che tagliano le gambe ancor prima di imbracciare gli strumenti. A scadenza quasi mensile salta alla ribalta qualche nuovo gruppo da dare in pasto all’ignaro e sprovveduto pubblico giovanile. Alcuni sono stati divorati ferocemente e sono scomparsi inghiottiti, altri sono rimasti a galla: Airbourne, The Answer, Wolfmother, Graveyard… sono davvero tanti i nomi. In questi mesi si sta facendo un gran parlare dei Rival Sons, recentemente visti anche sui palchi italiani lasciando una buonissima impressione. In questo 1° lavoro sull'etichetta di “metallo estremo” Earache, dopo un album ed un ep autoprodotti, questi americani di Los Angeles sparano tutto in mezz’ora di musica: 10 canzoni, dirette ed efficaci, senza nessun abbellimento superfluo e registrato pure in pochissimi giorni. Questi vanno veloci in tutti i sensi. Hard rock anni ’70, quello che meglio si sposava con il blues, ed una voce molto caratterizzante sono un buon biglietto da visita. Jay Buchanan è un signor cantante (l'ideale mix tra Plant e Paul Rodgers) e l'iniziale “All Over the Road”, ci porta sopra ad una Cadillac dritti contro il sole con un chitarrista presente ma essenziale come Scott Holiday e un coro che a fine canzone omaggia i maestri. Un hard boogie rock saltellante e divertente che non disdegna di omaggiare anche la scena glam britannica dei T.Rex. Se altri gruppi recenti di vintage rock sembrano attaccarsi ad un solo mito (finendo, a volte per esserne degli imbarazzanti cloni o, peggio, delle cover band da pub), i Rival Sons giocano a 360 gradi abbracciando tutto il rock con scadenza anno 1975. “Young Love” ha un giro oscuro che ricorda i Doors così come “Burn down Los Angeles” a cui manca solamente l'organo di Ray Manzarek, “Get Mine” ha le chitarre degli Stooges e un coro appiccicoso, “Gypsy Heart” ha una slide protagonista, un southern blues-rock cadenzato e poderoso che non avrebbe sfigurato in un album di sua maestà Hendrix e il tutto si chiude con gli effetti e gli assoli di “White Noise” e con “Face of Light”, ballad che con i suoi oltre quattro minuti è la canzone più lunga del disco. I Rival Sons, giocano sporco di produzione, catturando tutte le vibrazioni che fecero grandi i “grandi” sopracitati e piazzando uno dei dischi di classic hard rock fin’ora più interessanti di quest'anno (http://enzocurelli.blogspot.com/2011/06/recensione-rival-sons-pressure-time.html).

Per farla breve: un tuffo negli anni ’70. Questo è ciò che i Rival Sons saranno in grado di regalarvi con il nuovo Pressure & Time. Disco di hard rock condito da elementi psichedelici e da un songwriting notevolmente maturo, in grado di pescare a piene mani dal passato senza però limitarsi a scimmiottare i maestri, ma anzi sviluppandone le innovazioni. Tutto qui dentro rimanda in qualche modo a suoni e sensazioni sicuramente già sentite ma in grado di risvegliare un amore per le proprie radici che in fondo non si è mai sopito, almeno per quanto mi riguarda. Un gruppo che se sarà in grado di mantenersi puro e fuori da “evoluzioni” strane, nel prossimo futuro potrebbe veramente rappresentare uno degli ultimi baluardi di un certo modo di fare rock. Davvero notevole (http://www.metal.it/album.aspx/14554/). Ultima nota per la copertina ideata da Storm Thorgerson, artista e fotografo inglese che ha firmato grandi copertine del rock, quelle dei Pink Floyd su tutte, anche se questa a mio modesto avviso non è riuscita particolarmente bene. L’album è comunque consigliatissimo! (http://enzocurelli.blogspot.com/2011/06/recensione-rival-sons-pressure-time.html).

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

THE KILLS / "Blood Pressures"... l'album della maturità!

2011-08-19T17:06:00.005+02:00

THE KILLS “Blood Pressures” (2011)

Finalmente è arrivato l’album della maturità per The Kills! Dev’essere stata la collaborazione della conturbante Alison Mosshart con i Dead Weather di Jack White (e se non siete stati in esilio su Marte in questi ultimi due anni, saprete benissimo di chi stiamo parlando), oppure sarà stata la lunga pausa di riflessione degli stessi The Kills (ben 3 anni di silenzio)… sta di fatto che è finalmente giunta l’ora della consacrazione… e non stupitevi se se ne parla soltanto adesso…

In precedenza la musica dei The Kills sembrava come una pietra preziosa che non potesse brillare… Ora il duo è in grado di soddisfare tutti! A momenti danzerecci alterna atmosfere decadenti che solo il rock può regalare… L’elettronica riesce a fondere gli uni con le altre con grandi risultati!

“Blood Pressures” è l’incontro tra la ruvidezza del rock e la languidezza del pop, un connubio che certo non hanno inventato loro ma che in questo cd sfiora la perfezione! Attualmente è la mia band del momento! Parola di Carmine Tateo!

(a cura di Carmine Tateo - carmine.taty@live.it)

BATTLES: spingono verso il futuro mantenendo ben salde le proprie radici nel passato!

2011-08-05T13:41:00.002+02:00

BATTLES “Gloss Drop” (Warp Records, 2011) http://bttls.com/

Tracklist:
1. Africastle
2. Ice Cream (Featuring Matias Aguayo)
3. Futura
4. Inchworm
5. Wall Street
6. My Machines (Featuring Gary Numan)
7. Dominican Fade
8. Sweetie & Shag (Featuring Kazu Makino)
9. Toddler
10. Rolls Bayce
11. White Electric
12. Sundome (Featuring Yamantaka Eye)

Il secondo album dei Battles, dopo l'exploit dell'esordio con “Mirrored” e dopo l'abbandono di Tyondai Braxton, è uscito nei primi giorni dello scorso giugno. Il titolo è “Gloss Drop”.

“Mirrored” era stato un album che aveva creato un certo buzz intorno a sé e nel circuito rock alternativo sia per il suo approccio moderno e “contaminato” alla materia sia perché la band era formata da membri di Don Caballero, Helmet e Tomahawk. In coerente continuità col debut, già dall’iniziale “Africastle” i ritmi si fanno dispari e allegri (i contrappunti tastieristici ricordano alcuni giochi elettronici anni ’80) in un mix di ricercatezza e linearità; il delirio electro-rock di “Wall Street” mostra un attenzione al ritmo davvero particolare, in una sorta di compendio tra i King Crimson più soft contaminati da elettronica e post rock. (http://www.metallus.it/recensioni/gloss-drop/)

I tanti che avevano adorato "Mirrored" - sottoscritto compreso - hanno temuto il peggio alla notizia, ormai due anni or sono, della dipartita dalla band di Braxton, polistrumentista, voce e autentico genio della band esplosa nel 2007. All'epoca "Gloss Drop" era già più o meno pronto, ma Ian Williams, John Stanier e David Konopka decisero che non sarebbe stato giusto mandare in stampa un disco in realtà non pienamente loro, ma condizionato dalla presenza/assenza dell'ex-socio. Così rimisero mano alle dodici tracce realizzate, invitarono qualche amico e collega (Matias Aguayo, Gary Numan, Kazu Makino e Yamantaka Eye) a prestare la propria voce per alcuni brani e, nel giro di 24 mesi scarsi, eccoci di fronte a questo monolite che resta profondamente "Battles", pur essendo qualcosa di completamente diverso. Di due cose gli amanti di "Mirrored" possono essere certi: in questo "Gloss Drop" riconosceranno, pur se trasfigurati, i Battles di quattro anni fa, ma - cosa più importante - se pensavano che l'assenza di Braxton avrebbe mandato in frantumi l'esplosiva miscela math-rock, si sono sbagliati di grosso. Certo, mancano le sfuriate dal gusto free-jazz, ma il sound della band non è mai stato tanto coeso e, per così dire, "dritto". Assottigliando ancor di più la parte elettronica e l'uso peculiare del vocoder, che era diventato marchio di fabbrica della band, i Battles sono ora diventati un'originalissima ma più tradizionale band math-rock. Math-rock intriso, però, di un'aura di divertissement, di vitale ironia, che li differenzia dalla fredda matematicità di gruppi inseriti nel loro stesso filone. La prima vera chicca dell'album è la riesumazione in un contesto così lontano dalle sue origini di Gary Numan nel turbine oscuramente cinematico di "My Machines". Il tribalismo caraibico deformato di "Dominican Fade" spezza il mood e fa da ponte verso il cuore dell'album, quella "Sweetie & Shag" alla quale Kazu Makino (from Blonde Redhead) dona un sensuale tocco dance-pop. La breve dilatazione post-rock "Toddler" serve a prendere fiato prima del gran trittico finale. Violenza industrial e pantomima teatrale si fondono nei due minuti abbondanti di "Rolls Bayce", prima che "White Electric" esploda di un crescendo rossiniano (!), che si scioglie nell'irriverente baraonda di mugugni e singulti di "Sundome" nel quale Mr. Boredoms Yamantaka Eye scimmiotta versi incomprensibili. Il vitalismo al fulmicotone dei nuovi Battles si è superato, perdendosi e ritrovandosi in qualcosa di completamente diverso ma comunque uguale a se stesso. Una band che nella perdita ha trovato un nuovo, irresistibile, inizio. (http://www.ondarock.it/recensioni/2011_battles.htm)

Sì, i Battles del 2011 sono forse meno inattesi, meno “rivoluzionari” di quelli che negli anni ’00 idearono un nuovo modo di suonare math-rock, ibridando quest’ultimo al progressive e al post-rock tramite una concezione quasi “strutturalista” della composizione. Tuttavia sono ben lontani dall’essersi “normalizzati”, conservando quel lampo di genio che li fa essere fra i gruppi più intriganti degli ultimi anni, grazie a un suono che spinge verso il futuro ma, nello stesso tempo, mantiene salde radici nel passato. (http://www.outune.net/dischi/top-records/battles-gloss-drop/22827)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

SYMPHONY X: un'importante uscita in ambito prog-metal in questo primo scorcio di 2011

2011-07-31T13:46:00.006+02:00

SYMPHONY X “Iconoclast” (Nuclear Blast / Warner Music, 2011)
www.symphonyx.com

Tracklist:
01. Iconoclast
02. The End Of Innocence
03. Dehumanized
04. Bastards Of The Machine
05. Heretic
06. Children Of A Faceless God
07. Electric Messiah
08. Prometheus (I Am Alive)
09. When All Is Lost

Vero e proprio punto di riferimento a livello mondiale per quanto riguarda il progressive metal di matrice neoclassica, i Symphony X sono uno dei pochi big della scena musicale odierna - almeno per quanto concerne il genere - a non aver mai tradito le attese, confermandosi di volta in volta come un nome su cui poter puntare praticamente ad occhi chiusi. Dall'alto di una discografia giunta ormai all'8° capitolo in studio, la band guidata dal chitarrista Michael Romeo è infatti sempre riuscita, nel corso degli anni, ad assestarsi su standard qualitativi estremamente elevati distinguendosi per una proposta musicale, magari non sempre varia, ma in ogni caso assolutamente valida e personale. È quindi un gruppo reduce da un trend ampiamente positivo quello che, dopo 4 lunghi anni di silenzio, dà alle stampe questo “Iconoclast”, 8° full length targato Symphony X, pubblicato nello scorso giugno tramite Nuclear Blast Records. Un lavoro che ci offre una manciata di brani di ottima fattura, decisamente avvincenti e supportati inoltre da una produzione che risulta ottima praticamente su tutta la linea. 9 sono le tracce che lo compongono, per un minutaggio complessivo di poco più di 60’ di durata. Impeccabile sotto il profilo strumentale, ottimo a livello di songwriting, questo nuovo lavoro può sicuramente essere considerato una delle uscite più importanti in ambito prog-metal in questo primo scorcio di 2011 e pur non essendo un capolavoro, si rivela essere un disco estremamente ispirato, forse in alcuni tratti un po' troppo monolitico, ma in ogni caso prodigo di emozioni e assolutamente piacevole da ascoltare. Insomma, un altro centro per Michael Romeo e soci, che si riconfermano ancora una volta un'autentica garanzia di qualità. (http://truemetal.it/reviews.php?op=albumreview&id=9914)

“Iconoclast” è un disco duro, cupo, livido. Riflette il concept sul quale è basato - la lotta uomo/macchina - e, a quattro anni di distanza dal predecessore “Paradise Lost“, conferma la svolta più metallica della band statunitense. Forse, in questo generale indurimento del sound dei Nostri, c’entra anche il passaggio d’etichetta dalla squisitamente progressiva InsideOut a quella che è ormai può essere considerata una major per il metal: la Nuclear Blast. Fatto sta che i Symphony X del 2011 picchiano duro e senza sconti. Ovviamente non ci troviamo di fronte a una nuova versione degli Slayer. Il prog-power del gruppo è sempre chiaro e inconfondibile, così come le tastiere di Michael Pinnella continuano a svolgere la loro indispensabile funzione di sottolineare alcuni fra i passaggi più atmosferici dell’opera. Eppure è un dato di fatto: l’aggressività inconsueta che mostra l’ugola di Russell Allen, ai limiti del growl, così come i riff sciorinati dalla sei corde di Michael Romeo sono a volte ai limiti del thrash, mentre il tandem ritmico Jason Rullo / Michael LePond pigia costantemente sull’acceleratore. In breve, “Iconoclast” è sicuramente un disco più che valido: i Symphony X dimostrano tutta la loro classe e bravura, componendo l’ennesima opera che farà la gioia di tutti gli estimatori del metal più raffinato. (http://www.outune.net/dischi/hard/symphony-x-iconoclast/21850)

Segnaliamo infine che di “Iconoclast” è stata pubblicata, oltre alla versione standard qui recensita, anche un'edizione digipack con 2 cd e artwork differente, contenente 3 brani completamente inediti, e che lo stesso Romeo non ha esitato a definire la vera versione dell’album, tagliata nell’edizione standard per motivi esclusivamente commerciali.

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

TAHITI 80: onore ai tanti anni di attività

2011-07-22T20:27:00.001+02:00

TAHITI 80 “The Past, The Present & The Possible” (2011)

Attivi fin dal 1993 e giunti con questo al loro 6° album i TAHITI 80 risultano del tutto sconosciuti al grande pubblico… ma ci siamo qua noi, pronti a rimediare…

Sono stati gli autori della colonna sonora per il videogame “FIFA 2006”… Sono un progetto semplice: chitarre, batteria, tastiere e programming synth vari, buoni ritmi e ritornelli easy il cui unico fine è quello di catturare l’ascolto per divertire. Musicalmente parlando non c’è nulla di nuovo da scoprire, ma il pop dei TAHITI 80 è semplicemente del buon pop, paragonabile a quello di tante canzoni/ballate dei ben più famosi Blur. Mi pare giusto rivolger loro la giusta attenzione, se non altro per render onore ai tanti anni di attività…

(a cura di Carmine Tateo - carmine.taty@live.it)

RADIOHEAD: un linguaggio essenzialmente nuovo ed originale

2011-07-22T20:19:00.001+02:00

Radiohead “The King Of Limbs” (Autoproduzione, 2011) – www.radiohead.com

Tracklist:
1. Bloom
2. Morning Mr Magpie
3. Little By Little
4. Feral
5. Lotus Flower
6. Codex
7. Give Up The Ghost
8. Separator

Dai recessi della campagna del Wiltshire è arrivato un nuovo re: “The King Of Limbs”. E sembrerebbe anche tempo per nuovi baronetti in terra britannica perché nell’era di Twitter, Facebook e dei download gratuiti o meno, possono bastare le folle globali a incoronare i Radiohead come l’unica band ad imporsi con inossidabile credibilità su scala mondiale dai tempi dei Beatles. Il credito di una band si costruisce non già e non solo grazie ad “un” disco ma attraverso un percorso coerente, alla capacità di veicolare un messaggio che va spesso oltre la musica. I Radiohead non si esauriscono per questo in una sterile disputa mediatica sulla durata di “The King Of Limbs” ma meritano il riconoscimento di un percorso di sperimentazione musicale e di sfida alla stessa produzione e distribuzione discografica nell’era del consumo di massa. Confermano anche un’attitudine tipicamente britannica, una dicotomia assolutamente anglosassone che se da un lato àncora le bands ad una copiosa tradizione, dall’altro esprime il desiderio di scardinarne i punti fermi con forza iconoclasta, sviluppando concezioni musicali innovative, generando fermento e nuovi modelli al limite della rivoluzione culturale. In questo senso “The King Of Limbs” riconferma la capacità espressiva di una band che seppure ripiegata verso territori non convenzionali continua a far parlare di sé con un’intensità ed una partecipazione senza precedenti. (www.indieforbunnies.com)

Il percorso e la storia dei Radiohead, la loro evoluzione e la loro trasformazione li ha portati a concepire un linguaggio essenzialmente nuovo ed originale, tanto riconoscibile quanto inimitabile, una sorta di muro portante della musica contemporanea, un vero e proprio dizionario di significati e significanti del rock, del pop e dell’avanguardia insieme. In tale contesto, le immancabili critiche su Twitter, i “non sono più rivoluzionari” su Facebook, i “non sembrano neanche canzoni” e “non sembrano neanche loro” nei commenti, fanno quantomeno sorridere. Come se avesse senso chiedere la rivoluzione a chi è di fatto la rivoluzione. E poi, è vero, i Radiohead non fanno canzoni. O almeno, “The King Of Limbs” sembra confermare questo assioma, con otto pezzi che sono monoliti di un formato imprendibile e inarrivabile: non-canzoni, fatte di non-strofe e non-ritornelli, ma che sono un amalgama incredibile di sonorità apparentemente ignote, melodie che sono l’archetipo di una nuova forma d’arte, di un non-luogo della musica in bilico tra il pop, l’avanguardia, il jazz e la vita vera. Perché i soldi e la popolarità si fanno comunque con le canzoni, e far passare certe non-canzoni per meravigliose canzoni è pura genialità. “The King Of Limbs” è un disco che osa, semina luce e raccoglie arcobaleni, sperimenta così tanto e così bene con l’elettronica che alla fine sembra un altro semplice strumento acustico, raffina arrangiamenti celestiali e senz’ombra di dubbio fuori dalle orbite comuni. Ci sono poi episodi luminosi, e altri un po’ meno, certi dotati di grande forza innovativa, e altri un po’ meno, ma che in fondo sono una libera rielaborazione della doppietta “Kid-A” e “Amnesiac” che a inizio decennio spazzò via ogni dubbio su cosa sarebbero stati gli Anni Zero. (www.impattosonoro.it)

L’ultimo capitolo “Separator” è poi un programmatico saluto, è il lasciarsi con la promessa di crederci ancora, è l’ultimo passo che diventa già il primo del nuovo cammino, è la regola della vita che in ogni disorientamento si può trovare la giusta direzione per intravedere la meta, scorgere il momento in cui saremo finalmente e del tutto svegli. Per sentire altro e poi nuovamente riaddormentarsi ancora in questo meraviglioso sogno che sono i Radiohead. (www.ilsussidiario.net) (Rino De Cesare)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

SAXON: richiamo alle armi per il popolo metal

2011-07-16T16:17:00.001+02:00

SAXON “Call To Arms” (UDR Records, 2011) – www.saxon747.com

Tracklist:
1. Hammer Of The Gods
2. Back In '79
3. Surviving Against The Odds
4. Mists Of Avalon
5. Call To Arms
6. Chasing The Bullet
7. Afterburner
8. When Doomsday Comes (Hybrid Theory)
9. No Rest For The Wicked
10. Ballad Of The Working Man
11. Call To Arms (orchestral version)

Una delle domande che è più ovvio porsi è: cosa abbia ancora da dire e che emozioni possa ancora suscitare una band che ha all’attivo quasi una ventina di album (questo è il n° 19), dopo un cammino cominciato alla fine dei ’70, sulla scia di quella che fu definita allora la New Wave of British Heavy Metal. Beh, In un mondo dove tutto cambia nell’arco di pochi anni, dove ogni certezza viene stravolta, rimangono per fortuna alcuni punti fermi su cui fare riferimento. I Saxon sono un’istituzione in ambito di metal classico, ed il loro 19° disco, “Call To Arms”, risplende radioso come una stella, quasi a voler guidare i cercatori delle sonorità più tradizionali. Basta ascoltare l’iniziale “Hammer Of The Gods” per capire che la formula stilistica di Byford e compagni non è cambiata nemmeno di una virgola rispetto a quanto fatto negli ultimi dischi, ma constatiamo con gioia che sanno fare il loro mestiere ancora dannatamente bene! Certo, capolavori come “Wheels Of Steel” o “Denim & Leather” sono solo un ricordo, ma è impossibile rimanere indifferenti di fronte a brani epici come la già citata opener o all’hard’n’heavy roccioso della nostalgica “Back In ’79” o di “Surviving Against The Odds”. Hard rock, heavy metal e tanta passione sono tutto ciò che troverete su “Call To Arms”, un disco che non pretende certo di stupire, ma che si pone come una certezza per chi non chiede altro che ascoltare un’oretta di “old school music”. Per molti i Saxon sono una band finita, basta invece assistere ad un loro concerto o ascoltare questi nuovi brani per sentire il ruggito vigoroso di una formazione in grado di incendiare i nostri cuori ancora per molti degli anni a venire. (metalitalia.com/album/saxon-call-to-arms/)

Accompagnato da una delle copertine più brutte che la musica ricordi, “Call To Arms” è, ad oggi, il miglior disco heavy del 2011. Per una volta, in pratica, hanno ragione pubblicità, presskit, interviste e - questo è veramente un caso unico! - persino le recensioni sulle riviste quando dicono che i Saxon, guidati oggi più che mai da Biff Byford, leggenda vivente del rock inglese, stiano vivendo una seconda dorata giovinezza. Oggi, a 32 anni dal debutto, i Saxon sono aristocrazia heavy metal a tutti gli effetti, e noi siamo felicissimi di celebrare dei veri guerrieri, uomini di carne e sangue come tutti noi che però sono Storia (anche se non sempre straordinaria). Biff e soci chiamano alle armi, e si spera che i fan rispondano in massa a una delle istituzioni leggendarie del metal. (www.metallized.it/recensione.php?id=5459)

Ciò che rende davvero imperdibile “Call To Arms” è l'aver raggiunto un traguardo durissimo anche solo da approcciare: coniugare l'autorevolezza stradaiola e il "sangue" della NWOBHM con sonorità e produzione più moderne, che strizzano l'occhio al classic rock. Il risultato è un disco solido, potente, nervoso e anche - perché no? - emozionante! La vena compositiva di Biff e compari, dunque, è tutt'altro che esaurita, nonostante qualcuno possa insinuare che il gruppo stia (ruffianamente?) tornando alle proprie origini; sarà, ma se il risultato è questo, che "ruffianeggino" pure, perché la qualità è sopraffina! E non va neppure sottovalutato il lavoro fatto dietro alla consolle, perché un disco così trae un buon 50% del proprio fascino dai suoni e dal feeling che solo una produzione adatta può donargli. In questo caso gli artefici della magia di “Call To Arms” sono due co-produttori: lo stesso cantante della band, Biff Byford, e un reduce della scena hard/metal inglese a cavallo tra gli ’80 e i ’90, Mr. Toby Jepson, già chitarrista/cantante dei Little Angels e poi, per un breve periodo, cantante dei Gun. Una coppia bizzarra, ma che ha funzionato alla perfezione. Insomma, è chiaro: il revival degli anni ’80 è di moda tra le metal band più giovani, ma finché ci saranno in giro dei “maturi” signori come Saxon (e Motorhead, perché no?) a sfornare dischi così, il revival sarà confinato a semplice divertissement, perché gli originali sono sempre in sella e pronti a menare mazzate… e chi se ne frega dei capelli grigi o di qualche testa rasata per nascondere la pelata. (www.rockol.it/recensione-4649/Saxon-CALL-TO-ARMS)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

ARCTIC MONKEYS: nuovo album & nuovo corso "pop" per Alex Turner & soci

2011-07-09T20:55:00.002+02:00

Arctic Monkeys “Suck It And See” (Domino, 2011)

www.arcticmonkeys.com

Tracklist:
1. She’s Thunderstorms
2. Black Treacle
3. Brick By Brick
4. The Hellcat Spangled Shalalala
5. Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair
6. Library Pictures
7. All My Own Stunts
8. Reckless Serenade
9. Piledriver Waltz
10. Love Is A Laserquest
11. Suck It And See
12. That’s Where You’re Wrong

Vi ricordate degli Arctic Monkeys che ai loro concerti regalavano le proprie registrazioni e che mandavano in estasi il popolo myspaciano? Bene. E di quelli che si truccavano da pagliaccetti e con le loro chitarre fumanti infiammavano i teenager e non solo a ogni angolo della grigia albione? Bene. E di quelli che, con i capelli che ormai gli arrivavano alle spalle, partivano alla volta del deserto accompagnati dal buon Josh Homme e si davano a riffettoni Sabbathiani? Anche di questi vi ricordate? Bene, cancellate tutto! Gli Arctic Monkeys del 2011 non sono i primi, né i secondi e né i terzi di cui vagamente vi ricordate. Alex Turner and Co. son cresciuti, hanno rallentato il passo e sì, si sono avvicinati, perché no, alla parola che gli indierocker tanto odiano: POP. Eh, sì! “Suck It and See” è un disco estremamente pop, estremamente orecchiabile e non è un caso che si sia permesso di dare un calcione nel popò della “scandalosa” Lady Gaga per passarle avanti nelle classifiche U.K. (www.indieforbunnies.com).

Se “Humbug” era il punto di svolta, “Suck it And See” è sicuramente il primo capitolo di un nuovo corso, non tanto per la musica pop quanto piuttosto per gli Arctic Monkeys. Sebbene il periodo di grande lavoro, di tour ed esperienze extraconiugali potesse, in qualche misura, avere effetti negativi sul risultato di questo album, l’ascolto riesce a smentirci in pieno, presentando un prodotto di grande qualità ed ispirazione. C’è anima, c’è passione, c’è melodia e c’è rock. L’album è stato registrato a Los Angeles con la regia di James Ford e l’impegno maggiore s’è concentrato nella ricerca di una via più tipicamente live: pochi elementi aggiuntivi, niente orchestre od orpelli elettronici e totale dedizione alla strumentazione del quartetto con attenzione particolare agli arrangiamenti delle chitarre che in questo disco hanno ruoli più classici senza che il tipico up’n’back, che contraddistingue da sempre l’uso delle sei corde scimmiesche, venga scalfito. Le canzoni hanno tutte un enorme potenziale da concerto e si integreranno alla perfezione in mezzo ai classici da palco, con certi pezzi che sono delle autentiche bombe dal grande richiamo (anche) commerciale (“Reckless Serenade”, “She’s Thunderstorms”, “Suck it And See”), altri sono più chimicamente vicini alla natura dei ragazzini di ”Whatever People Say…”, ma tutti, generalmente, sono una spanna sopra la media del pop rock attuale. (http://fardrock.wordpress.com).

Danno tutti addosso alla band perché si sta lasciando affascinare da scintillanti strascichi di rock classico, ma è un fattore relativo, un puro divertissement che è fortemente ravvisabile in due sole tracce, peraltro riuscitissime, (“Brick by brick” e “Don’t sit down ’cause i’ve moved your chair”), che però si insiste a considerare come blande e prive di idee, mentre al contrario trattasi di ottime applicazioni da parte di studenti innamorati della propria materia. E bastano due pezzi un po’ su di giri a far urlare allo scandalo? Ad accusare di corruzione Josh Homme (qui ai cori su “All my own stunts”)? E allora mi spiegate perché a distanza di 14 anni, il disco più scandaloso degli U2, ovvero il “Pop” prodotto da Howie B è ancora quanto di meglio fatto dalla band nel post “Achtung baby”, cioè negli ultimi 20 anni? La verità è che oggi non sappiamo aspettare, non sappiamo concedere un repeat in più nemmeno alla nostra band preferita, perché se lo facessimo – in questo caso specifico – ci renderemmo conto che le ultime cinque canzoni di questo disco sono autentici gioielli, quanto di meglio offerto dai tempi dell’esordio. E “That’s Where You’re Wrong” vale un intero disco! (www.storiadellamusica.it). (Rino De Cesare)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo

CUT/COPY: tasso zuccherino decisamente fuori norma!!!

2011-07-09T20:46:00.001+02:00

CUT/COPY “Zonoscope” (2011)

Il 3° album del quartetto australiano porta a completamento il disegno “80’s pop” sviluppato con i precedenti lavori ma la band rinuncia all’hit pronto per il consumo per fare un disco completo: un caleidoscopico pop intelligente, post moderno.

Disco non epocale ma che ascoltato nella sua interezza e freschezza verrebbe da augurarsi di avere più spesso sui piatti come sottofondo per “certe feste”. Il sound dei Cut Copy col suo piglio euforico e ammiccante strizza l’occhio al sole e all’estate… ma, occhio al diabete, qui ci sono melodie al limite dell’appiccicoso… il tasso degli zuccheri è decisamente fuori norma! Citazione a parte per la bella e stravagante copertina: le cascate del Niagara nel pieno centro di New York!

Vi ricordo che testi e scelte musicali di questo particolare frammento sono a cura di Carmine Tateo.

(carmine.taty@live.it)

THE VACCINES: una giovane band dalle ottime prospettive!

2011-07-03T18:08:00.002+02:00

THE VACCINES
“What did you expect from the Vaccines?” (2011)

È possibile passare in poco tempo dallo stato di perfetti sconosciuti a band dall’indie-sound più in voga del momento? La risposta è “si”! È il caso dei Vaccines con alle spalle un brevissimo singolo, “Wreckin’ Bar Ra Ra Ra”. Con la pubblicazione del 2° è arrivata l’esplosione con conseguente immediato 3° posto nelle classifiche di vendita del Regno Unito. Da qui alla pubblicazione dell’album il passo è stato ancor più breve. Registrato in sole due settimane “What did you expect from…” strizza l’occhio allo stile Libertines e Babyshambles, espone potenti linee di basso e canzoni grintose ad alto rischio “loop”. Questo esordio potrebbe rivelarsi uno degli ascolti più gradevoli nei vostri prossimi mesi… sempre che mastichiate questo tipo di sound! Sono sempre segnali positivi quelli che arrivano dal Regno Unito. Vaccines si presentano come una giovane band dalle ottime prospettive!

(a cura di Carmine Tateo, carmine.taty@live.it)

THE FEELIES: dopo 20 anni di silenzio... un futuro tutto da scrivere!

2011-07-03T13:22:00.017+02:00

THE FEELIES “Here Before” (Bar None, 2011)
www.thefeeliesweb.com

Tracklist:

1. Nobody Knows
2. Should Be Gone
3. Again Today
4. When You Know
5. Later On
6. Way Down
7. Morning Comes
8. Change Your Mind
9. Here Before
10. Time Is Right
11. Bluer Skies
12. On and On
13. So Far

Anche se non sono mai stati pienamente riconosciuti i loro meriti, i Feelies occupano, in termini di popolarità, un posto di prestigio in un ideale albero genealogico che possa certificare la nascita di certa New Wave. Il loro "Crazy Rhythms" si può certamente considerare tra i punti più alti toccati da una band al proprio esordio. Uscito nel 1980 conteneva un’esplosiva miscela tra il rock più colto e decadente del decennio precedente (Velvet Underground, Television, Talking Heads) e le tipiche derivazioni folk rock americane. In anni di finte reunion, quella rimessa in piedi da Bill Million e Glenn Mercer, senza puzzare di vecchio, pare ispirata pur sembrando il giusto seguito alla rottura avvenuta anni fa. Ora che l'anello mancante e di congiunzione tra passato e presente è stato aggiunto, il loro futuro è ancora tutto da scrivere! (http://enzocurelli.blogspot.com/2011/04/recensione-feelies-here-before.html)

Se vi è capitato già di leggere qualche recensione sul nuovo album dei The Feelies, probabilmente vi sarete dovuti sorbire, come minimo, un paragrafo su chi sono stati, ciò che hanno rappresentato, e… bla bla bla. Ora, visto che anche noi di “Radi@zioni” vorremmo raccontarvi del loro ritorno sulle scene dopo 20 lunghissimi anni di silenzio, scegliamo di saltare a piè pari l'ovvia introduzione e, semmai, di rimandarvi al disco chiave “Crazy Rhythms”, per altro ripubblicato di recente dalla Domino Records. Dicendo subito che “Here Before” non è un imprescindibile capolavoro, non ce la sentiamo di prendercela con una band che mettendoci la faccia si ripresenta con un onesto pop elettro-acustico di chiara matrice Velvet Underground (quelli di Loaded per intenderci), quindi pieno di melodie neanche così ovvie, e di una delicatezza ben calibrata. Il primo verso dell'album, peraltro, domanda "Is it too late to do it again?". Beh, vista la qualità media del songwriting, sembrerebbe proprio di no, perché appunto “Here Before” si fa ascoltare da cima a fondo scivolando via con leggerezza, tanto che ci si ritrova a metà corsa senza neanche accorgersene: no, non pare proprio il disco di un gruppo di ultracinquantenni! (http://www.panopticonmag.com/recensioni/rockville/1310-the-feelies-2011-here-before.html)

Altra carrozza da aggiungere al treno delle reunion, quindi! The Feelies tornano in pista, a più di 20 anni dal loro ultimo disco (se escludiamo l’esperienza dei derivativi Wake Ooloo tra il ’94 e il ’96 per Glenn Mercer e Dave Weckerman, ossia 2/4 dei Feelies) e a più di 30 dall'imprescindibile esordio “Crazy Rhythms” degli stessi Feelies, pilastro della new wave in chiave pop. Ora, nonostante una buona dose di curiosità, le aspettative che questo genere di operazioni portano con sé sono già più o meno calibrate, e si riducono nell'auspicio di un buon ascolto, con brani in grado di reggere il confronto dei vecchi fasti, e poco altro. Il che è esattamente quello che troverete in questo “Here Before”, un disco pop-rock fedele al marchio Feelies, e che anzi ne rappresenta una piccola antologia. C'è la sezione ritmica up-tempo, i brani giocati su pochi riff e brevi assoli di chitarra, i coretti melodici in background come nel caso della title-track. Nel complesso si accentua la passione per il pop, con la chitarra acustica che trova più spazio e strappa applausi nella pregevole “Bluer Skies”, che pare venir fuori direttamente dalla penna degli Yo La Tengo, o in “Morning Comes”, ballata dal gusto 90’s sul sentiero dei migliori Gomez. Il resto dell'album (dal gusto più ottantottino) serve a ribadire l'ottima capacità di scrittura dell'accoppiata Mercer/Million, che riesce a rinverdire lo spirito punk-wave degli esordi (“Time Is Right”), a ripercorrere con successo i binari power pop (“Again Today”) e a concedersi anche alla passione per i Velvet Underground (“On And On”). Un disco che si insinua a tinte chiare e carico di un'aura positiva, rappresentando un più che gradito ritorno; certo è un po' monocorde e non riserva grandi sorprese, ma d'altronde non è qui che bisogna cercare la luna! (http://www.sentireascoltare.com/recensione/8566/feelies-the-here-before.html)

a cura di: Camillo “RADI@zioni” Fasulo